38e VENTE GARDEN PARTY

Joseph Christophe (Français, 1662-1748)
Le jeu de bonneteau

Toile.

Haut. 65,6 Larg. 82,2 cm.
(restauration et manques, toile agrandie)
Cadre en bois doré.

Provenance : famille du Maine-et-Loire.

Three-Card Trick on canvas, by Joseph Christophle.

Nous remercions monsieur Francois Marandet pour avoir confirmé le caractère autographe de notre tableau.

Attribué à Gillis Mostaert (Flamand, 1534-1598)
Le Christ prêchant sur le lac de Tibériade

Panneau transposé sur toile.
Fragment.

Haut. 47,5 Larg. 69 cm.
Rentoilée, restaurations.
Cadre en bois. 58 x 79,5 cm.

Provenance : collection particulière, Vendôme.

Attributed to Gillis Mostaert. The Parable of Jesus. Canvas.

Attribué à David Teniers II le Jeune (Hollandais, 1610 - 1690)
Paysans dans une auberge

Panneau de chêne.
Une planche, non parquetée.

Haut. 42 Larg. 34,5 cm
Restaurations anciennes.

Provenance : collection particulière, Sologne.

Attributed to Teniers II the Younger. Peasants in an inn. Panel.

Reprise de la composition de Teniers conservée au Walters Art Museum de Baltimore (n°37315).

Ecole française vers 1640, entourage des frères Le Nain
Nourrice tenant un enfant emmailloté

Toile.

Haut. 38,5 Larg. 32 cm
Restaurations anciennes
Cadre à profil renversé en bois mouluré argenté et vernis travail italien du XVIIIe. 52 x 46 cm.

Provenance : collection particulière, Perche.

Entourage of the Le Nain Brothers. Wet nurse holding a swaddled infant. Canvas.

Jan van Bijlert (Utrecht, 1603 - 1671)
Le fils prodigue

Panneau de chêne, parqueté
Signé à droite "J.Bijlert".
Etiquette d'exposition "Le pain et le vin" au revers à la galerie Charpentier,1954

Haut. 40 Larg. 70,5 cm.
Restaurations anciennes.
Cadre en bois sculpté redoré d'époque Louis XIV.

Provenance :
- collection Porgès, Paris 1911 (selon Janssens) ;
- vente à Amsterdam, Muller, 15-18 avril 1947, n°540, marchand d'art de Katz, Dieren ;
- vente Nathan Katz, Paris, galerie Charpentier, 25 avril 1951, n° 11 ;
- collection Louis Henri Girard (1881-1973), industriel à Champagnole, Jura ;
- par descendance, collection particulière, Tours.

The Prodigal Son by Bijlert, on cradled oak panel.

Art Loss Register, 24 février 2026, n°ALRS00267698.

Numérisation en très haute définition et passeport digital sécurisé dans la blockchain par Nüme accessible sur demande depuis rouillac.com

Expositions :
- Leipzig, Musée des Beaux-Arts, 1929, cat. N° 995 ;
- Chez Katz, Deventer, Hôtel de Ville, 1948, n° 9, sans catalogue ;
- Le pain et le vin, Paris, Galerie Charpentier, juin 1954, n°154.

Bibliographie :
- Hofestede de Groot in Oud Holland 13, 1894, n°36 ;
- W. Busch, in Oud Holland, 97 1903 n° 259 ;
- W. Busch, 'Rembrandt's "Ledikant" - der Verlorenen Sohn im Bett,' Oud Holland 97 (1983), pp. 257-265, fig.2 (selon Janssens) ;
- Connaissance des arts, 15 juillet 1953, n°17, reproduit pp. 26-27 (selon Janssens) ;
- Hoogewerff, 1965, n° 16.
- Moiso-Diekamp, 1987, p. 146.
- Huys Janssen, Paul. Jan van Bijlert ?: 1597/98-1671 ?: Catalogue Raisonné. Amsterdam Philadelphia (PA): John
Benjamins B. V., 1998, p. 103, n° 22, repr. p. 308, planche 124.

Une copie de notre tableau est passée en vente à Londres, Sotheby's, le 9 décembre 1991, n° 160.

Ecole alsacienne du XVIIe siècle
Triptyque des cordiers de Strasbourg

Panneaux.
Inscrit dans les phylactères : 'Christian Berger von Sittawwar' ?

Haut. 66 Larg.53,5 cm.
Haut. totale : 100 cm.
Larg. totale : 110 cm.

Provenance : collection d'Aviau de Piolant, château de Ternay, depuis le début du XIXe siècle.

17th-century Alsatian School. Triptych of the Cordiers brotherhood. Panels.

En 1684, les troupes de Louis XIV entrent dans Strasbourg, imposant la religion catholique à cette ville qui était restée à l'abri de la Guerre de Trente ans dans le giron du Saint-Empire. La confrérie des cordiers, réunis au sein de "la Mauresse", est alors la septième dans l'ordre d'importance des confréries de la ville. On retrouve sur ce tryptique son emblème officiel constitué d'une pelote, d'un râteau, d'une manivelle et d'une flèche. Cette confrérie réunit cordiers, chanvriers, fripiers, fruitiers, brocanteurs, fabricants de chandelles, charretiers, marchands de sel, coltineurs, volaillers, savetiers, déchargeurs, et enfin ouvriers du tabac.

Notre tableau est organisé en plusieurs registres. Deux volets extérieurs donnent à voir deux personnages, Antoni Schrag et Conrad Wanner, vraisemblablement maitres de la corporation des cordiers ou cordeliers, avec la date de 1587. A l'intérieur, quarante-huit blasons ou écus se détachent sur des fonds de couleurs variées, certains portent la date de 1633. Ces écus associent tantôt des outils et emblèmes liés au métier de cordier (manivelle, crochet, râteau, flèche, touret et séran), tantôt des figures saintes ou allégoriques. Parmi les figures identifiables apparaissent notamment Sainte Barbe, Sainte Catherine d'Alexandrie, Saint Christophe, Saint Nicolas, Saint Sébastien ainsi qu'une allégorie de la Justice. Plusieurs inscriptions, fréquemment Strasbourg, mais aussi d'autres provenances comme Saint-Gall ou Bingen. Certaines inscriptions semblent renvoyer à des fonctions au sein de la corporation, telles que Schreiber (scribe ou greffier), Ladenmeister (responsable du coffre de la corporation), Ladengesell (compagnon attaché à la Lade, c'est à dire l'institution corporative) ou encore Obermeister (maître principal). A l'intérieur, nous retrouvons deux cordiers avec la date de 1684 et des inscriptions dans des phylactères ?Jacob? grob? Scardt Laden / Gefel (?)Ano 1684 et Christian Jacob Von Sittow / Laden Gefel (?) Ano 1684. Au centre 42 écus se retrouvent avec des inscriptions, les différents emblèmes de la corporation des cordiers, des figures de saints catholiques et des inscriptions partiellement effacées où revient fréquemment le nom de Strasbourg. En partie haute et basse des sculptures avec angelots et têtes grimaçantes ont été ajoutées.

Isaac Soreau (Allemand, 1604-1644)
Bouquet de fleurs dans un vase en verre

Huile sur cuivre.

Haut. 52,5 Larg. 40 cm.
(restauration)
Cadre en bois doré.

Provenance : collection du Marquis René de Chabrillan (1886-1938), château de Neuville-sur-Oise ; par descendance familiale.

Soreau. Bouquet of flowers in a glass vase. Oil on copper.

Art Loss Register, 27 janvier 2026, n°S00266980.

Numérisation en très haute définition et passeport digital sécurisé dans la blockchain par Nüme accessible sur demande depuis rouillac.com

Isaac appartient à une famille d'artistes. Il est le fils de Daniel Soreau, riche marchand de laine qui contrôlait le commerce en Hesse et à Wetterau, puis s'était tourné vers la peinture sur le tard. Protestant, il avait quitté Tournai pour s'installer à Francfort où travaillaient de nombreux peintres de natures mortes, autour de Georg Flegel et de Pieter Binoit (lequel se marie avec Sarah Soreau en 1632). Bien qu'aucune oeuvre sûre de Daniel ne nous soit parvenue, on peut supposer qu'il initie son fils, aux côtés de Sébastien Stoskopff, lequel reprit l'atelier de Daniel après sa mort en 1619. Les compositions d'Isaac témoignent également de l'influence des peintres anversois Jacob van Hulsdonck et Osias Beert I : certains ont même suggéré qu'il aurait fréquenté l'atelier du premier.

La nature morte de fleurs devient indépendante en Flandres et aux Pays-Bas un peu après 1600, notamment à Anvers et à Middelbourg avec des peintres tels que Roelandt Savery, Jan Brueghel l'Ancien ou la dynastie des Bosschaert. Ce genre se développe dans un contexte de prospérité économique, d'essor du commerce international, d'une passion pour la botanique et les jardins exotiques initiée à Prague autour de l'empereur Rodolphe II. Le bouquet est l'image du Paradis sur terre où tous les sens humains sont stimulés. Les fleurs incarnent également la fugacité de la vie et les plaisirs éphémères dans les Ecritures. Chaque espèce végétale joue ainsi un rôle spécifique dans cette forme de contemplation, de méditation par rapport à la mort, à la résurrection, au péché dans une grande célébration de la Nature, au sens où ces tableaux sont aussi conçus pour le plaisir esthétique qu'ils procurent à leur propriétaire.

Comme pour les autres natures mortes de cette période, ces bouquets constituent un mélange de fleurs de différentes saisons, impossibles à réunir en un seul moment, et réalisés à partir d'études de fleurs individuelles.

L'observation attentive du monde et la fidélité des détails permettent un naturalisme où chaque élément prend une valeur religieuse. Les fleurs ne sont belles que quelques instants. Elles se fanent et meurent rapidement. Emergeant d'une composition dense et savamment équilibrée, les tulipes font l'objet d'une véritable spéculation et leurs bulbes atteignent alors des prix exorbitants. Venues de Constantinople et introduites en Europe au XVIe siècle, elles témoignent de la vanité et la frivolité des comportements humains en critique de la tulipomanie, dont la bulle financière s'effondre en 1637. Les brins de muguet, par leur parfum délicat et leur mouvement incliné de dévotion, figurent l'humilité de Marie. Les bourgeons ne fleurissent qu'en mai, rappelant ainsi le cycle des saisons tandis que le myosotis, fleur du paradis, rappelle le salut de l'âme qui reste fidèle à Dieu. Les fritillaires pintades évoquent le mystère et la renaissance. L'ancolie, une de sept fleurs de Marie, évoque les sept dons du Saint-Esprit.

L'ensemble est disposé dans un verre de type « Römer », placé sur un fond neutre légèrement brun-vert. Plusieurs insectes animent l'ensemble. Le papillon, animal éphémère par excellence, et une libellule à droite, font référence à la fragilité de notre existence. Le scarabée, symbole funèbre et la mouche, souvent représentée dans les vanités flamandes du XVIIe siècle, sont de vanités, rappelant à l'homme sa condition de mortel.

Auteur de natures mortes aux corbeilles de fruits, Soreau a peint exceptionnellement quelques bouquets. Parmi eux, le nôtre est l'un des plus grands et des plus complexes. Nous pouvons le comparer à ceux vendus à Londres (Sotheby's, 07/12/1999, lot n°18) et à New York (Sotheby's, 29/01/2009, lot n°42), de dimensions plus réduites. Une reprise de notre composition, sur panneau, est passée en vente à Munich, Hampel, le 27 mars 2025, n°216 et le 26 juin 2025, n°213.

Nous remercions Fred Meijer d'avoir confirmé l'authenticité de notre tableau à Isaac Soreau, sur photographie numérique, par mail le 11 octobre 2021.

Giovanni Battista Della Rovere, dit Il Fiammenghino (Milan, 1561-1630),
La naissance de saint Jean-Baptiste

Plume et encre brune, lavis brun, partiellement incisé.
Au verso : Etudes de mains à la pierre noire et croquis, numéroté 166 à la plume et encre brune.

Haut. 26 Larg. 46 cm.
(Déchirure verticale au centre restaurée anciennement, pliures, rousseurs, taches.)
Sur le cadre, étiquette : "Giovanni Battista della Rovere... ancienne collection Mes Hamish Robertson".

Provenance : collection particulière, Rouen.

The Birth of St. John the Baptist in pen and ink, by Della Rovere.

A comparer avec la Naissance de la Vierge conservée au British Museum (voir G.Bora, I disegni lombardi e genovesi del cinquecento,ed. Libreria Editrice Canova, Treviso, 1980, n°85, repr.). Della Rovere a décoré en 1585 au Duomo de Monza un mur de la chapelle de son saint patron de scènes remarquables de sa vie.

Attribué à Jaques de L'Ange (Flamand, 1596 - 1649)
La Mort de Sénèque

Toile.

Haut. 112 Larg. 150,5 cm.
Restaurations anciennes.
Sans cadre.

Provenance : collection italienne.

Attributed to de L'Ange. The Death of Seneca. Canvas.

Une composition différente sur le même sujet a été réalisée par Jacques de Lange à deux reprises : une grande toile est passée en vente à Vienne, Dorotheum, le 12 décembre 2011, n°100, donnée au cercle de Matthias Stommer mais cataloguée depuis comme "attribuée à monogrammiste JAD", soit Jacques de l'Ange, et un petit cuivre en vente à Paris, Kâ-Mondo, le 9 juin 2019, n°20.

Artemisia Gentileschi (Italienne, 1593-1652)
Sainte Dorothée

Toile.

Haut. 74 Larg. 62 cm.
Restaurations anciennes
Au dos du cadre une étiquette avec un n° à la plume 636 et un cachet de cire rouge avec les initiales MB.

Provenance :
- Probablement collection Emma Meizemaker de Vergières (1849-1932) originaire de Bergues, épouse d’Adrien Joseph Auguste Arnauld de Praneuf, (1844-1905), avocat, vice-président du Conseil de préfecture à Chambéry, membre correspondant de l’Académie de Savoie, sous-préfet de l’arrondissement de Toulon ;
- Collection Clotilde Roland (1886-1957), reçu de la précédente en cadeau, sa témoin de mariage le 19 juin 1908 avec Georges Raclot (1874-1957), polytechnicien et ingénieur du génie maritime, Toulon ;
- Par descendance, collection particulière, Lyon.

Gentileschi. Saint Dorothy. Canvas. Dated to her first Neapolitan period (1630 1638). Its attribution has been confirmed by art historian Keith Christiansen. The painting’s provenance traces it through a French private lineage originating in Toulon.

Nous remercions Monsieur Keith Christiansen qui a confirmé l’authenticité de ce tableau d’après photographies numériques dans un mail du 16 avril 2026.

Description complète sur le site rouillac.com.

Attribué à Claude Deruet (Français,1588-1660)
Jeanne d'Arc

Huile sur toile.
Armoiries de Jeanne d'Arc en haut à gauche.

Haut. 63 Larg. 51,5 cm.
Restaurations anciennes et soulèvements.

Provenance : famille de Haldat du Lys, Charente.

Bibliographie :
- Henri Wallon, "Jeanne d'Arc", Paris, Firmin Didot, 1876, œuvre reproduite p.472. 
- Charles Nicolas Alexandre Haldat du Lys, "Examen critique de l'histoire de Jeanne d'Arc, suivi de la relation de la fête célébrée à Dom-Remi en 1820", et de "Mémoires sur la maison de Jacques d'Arc et sur sa descendance", Nancy, Grimblot et veuve Raybois, 1850, gravure reproduite comme de Claude Deruet. p.294.

Attributed to Deruet. Joan of Arc. Canvas preserved in the family of Joan of Arc.

RARE ET UNIQUE PORTRAIT DE JEANNE D'ARC CONSERVE DANS SA FAMILLE

Ce portrait aux cheveux détachés, avec chapeau, plume et épée sur l'épaule est l'un des plus anciens qui soit connu. Il est contemporain de la gravure en sens inverse de Zacharie Heintz (1611-1669) intitulée Puella Aureliaca (Paris, musée Carnavalet, n°G.25201). Cette iconographie participe au regain johannique initié à la cour d'Henri IV par son conseiller Charles du Lys (1559-1632), qui publie en 1628 un "Recueil d’inscriptions et poésies en l’honneur de la Pucelle d’Orléans".

L’image de Jeanne d’Arc (1412-1431) n’est en effet pas connue et chacun se l’approprie. Le seul portrait réalisé de son vivant est l’œuvre d’un greffier en marge d’un registre du Conseil du Parlement de Paris le 10 mai 1429, entendant parler de ses exploits - mais qui ne la vit jamais. Conservé aux archives nationales, ce dessin représente la sainte en robe et cheveux longs (X/1a/1481 [AE/II/447], fol. 12r).

« O Jeanne sans sépulcre, et sans portrait, toi qui savais que le tombeau des héros est le cœur des vivants... Jeanne sans portrait... » proclame André Malraux à Orléans le 8 mai 1961.

La question de la généalogie de Jeanne d’Arc est tout aussi complexe que celle de sa représentation. La famille d’Arc, ou du Lys, qui est originaire de Lorraine a été anoblie en 1429 par Charles VII, lui donnant les armoiries présentes sur ce tableau : « d'azur à une épée d'argent garnie d'or mise en pal et féue dans une couronne royale du même, accostée de deux fleurs de lys aussi d'or. » La famille d’Arc s’éteint en 1493 mais certaines familles prétendent toutefois en descendre en ligne féminine. C’est le cas de Jeanne Talbert d'Arc, l’épouse de l'écrivain Georges Bernanos, mais surtout des Haldat du Lys.
Fille de Pierre d’Arc, le frère de Jeanne, Catherine d'Arc du Lys (1455-1545) épouse Georges de Haldat (1455-1544). C’est son lointain parent, le médecin et physicien Charles de Haldat (1760-1852) qui ajoute en 1816 « du Lys » à son patronyme : l’autre nom de la famille d'Arc pour relever son ascendance. C’est alors que les Haldat du Lys prennent également les armoiries de la famille d’Arc.
 
« Nous descendons tous d'un roi et d'un pendu. » rappelle avec facétie Jean de La Bruyère dans ses Caractères en 1688.

Ce rare portrait, publié dès 1850, réunit donc deux qualités rares qu’étoffent la tradition familiale :
- Il est d’une part conservé depuis l’origine par une famille revendiquant descendre par les femmes du frère de Jeanne, lui-même anobli par le Roi et fait chevalier du porc-épic par Charles d'Orléans.
- Il est d’autre part vraisemblablement réalisé d’après le modèle d’une ancêtre, partageant avec Jeanne d’Arc un capital génétique en commun, qui en ferait ainsi l’un des visages vraisemblables les plus fidèles de la Pucelle d'Orléans.

Philippe Rouillac

Attribué à Nicolas Lafrensen dit Lavreince (Suédois, 1737-1807)
La modiste

Toile;

Haut. 21,7 Larg. 16,5 cm
Sans cadre

Provenance : collection particulière, Tours.

Lafrensen. Milliner at work. Canvas.

Mlle de Montpui (active au XVIIIème siècle)
Portrait de Henriette Pujol à 18 mois

Pastel.
Annoté au verso « Portrait de Henriette Pujol à 18 mois / par Mlle de Montp / née en 1779 »

Haut. 29 Larg. 23 cm
Quelques griffures.
Cadre en bois mouluré, stuqué et doré. 39x 33 cm.

Provenance : collection particulière, Corrèze.

Pastel portrait of an 18-month-old infant by a female artist from the late 18th century.

Nouvelle Espagne (Mexique), fin du XVIe-début du XVIIe siècle
D'après un dessin de Martin de Voos (Flamand, 1532-1603) gravé par Hieronymus Wierix (Flamand, 1553-1619)
Saint Ambroise

Mosaïque de plumes.
Sur une plaque de cuivre martelée est déposée une feuille de papier amate. Une feuille de coton la recouvre, sur laquelle les plumes et le papier doré sont fixés par une colle d'origine animale.
Plumes multicolores pouvant provenir du tzanal (étourneau), du martin-pêcheur, de l'aztatl (aigrette blanche), et des différents perroquets des forêts tropicales du Chiapas au Mexique et au Guatemala (le cochohuitl et l'ara macao).

Haut. 42,5 Larg. 29 cm.
Dégradations visibles des plumes liées à l'usage, sans restaurations particulières
Dans un cadre ancien en bois mouluré et noirci avec son verre bullé. 57,5 x 44,5 cm.

Provenance : ancienne collection d'un château auvergnat ; collection particulière, Londres-Mexico.

Late 16th-early 17th c. Mexican feather painting of St. Ambrose after a drawing in the Louvre’s collections.

Lorsqu’ils arrivent au Mexique en 1523, les frères mineurs Franciscains sont les premiers à faire dialoguer les cultures de l'Ancien et du Nouveau Monde. Ils adaptent le message chrétien à leur auditoire et rendent les rites catholiques accessibles à la mentalité indigène. Réalisée dans la technique pluriséculaire de la mosaïque de plumes employée par les artisans "amantecas", elle reprend la composition d’oeuvres européennes à des fins d'évangélisation. La plumasserie aztèque se fait le messager de la foi catholique par la translation des images sacrées. Dans l’univers précolombien qui recense cent vingt-cinq types d’oiseaux, les plumes présentent des vertus symboliques et magiques. La bordure de ce tableau reprend également l’imagerie végétale locale, dont les larges palmes semblent être celles de "Zamiaceae".

Lors du Concile de Trente en 1563, l’affirmation de la portée didactique des images en fait des outils d’évangélisation privilégiés. Les Saints et leurs hagiographies deviennent des sources d’enseignement pour les peuples de la Nouvelle-Espagne. Coiffé de sa mitre, lisant les Saintes Ecritures et plongé dans un environnement architecturé, ce saint Ambroise rappelle la représentation gravée par Hieronymus Wierix, tirée de la suite des Quatre Pères de l’Eglise publiée en 1586. Cette gravure est réalisée d'après un dessin de Martin de Vos conservé au musée du Louvre à Paris (INV 20568). Aux côtés des saints Augustin, Jérôme et Grégoire le Grand, l’évêque de Milan se présente comme l’un des quatre Pères latins de l’Eglise occidentale. Un essaim d'abeilles qui l'a envelopé dans son enfance, lui ayant laissé le visage recouvert de miel annonçant son éloquence à venir, est évoqué par une ruche à ses pieds. L'influence d'Ambroise est exceptionnelle dans le développement de la foi catholique durant les premiers temps de l'Eglise. S’il renonce à tous ses biens matériels, il s’illustre particulièrement par ses prédications, ses études des textes sacrés et l’introduction de la Lecture sainte.

Cette image s’inscrit dans la production datée entre la fin du XVIe et le début du XVIIe siècle. A cette période, les mosaïques sont collées sur une plaque de cuivre et non plus sur bois, tandis que des cernes dorés viennent souligner les contours des éléments de la composition. Il faudra attendre le XVIIIe siècle, pour que la peinture se mêle aux plumes afin de retranscrire les détails anatomiques.
Issue des anciennes collections d’un château auvergnat, cette grande mosaïque inédite complète le corpus estimé entre 160 et 180 oeuvres. Sa provenance démontre que les transferts culturels se sont aussi appliqués de l’Amérique vers l’Europe, où les amateurs comme Charles Quint et le pape Sixte V les ont collectionnés.

France, XVIIe
Pavillon de ciboire

Riche broderie de fils de soie, broderie métallique d'or et d'argent, canetilles et lames d'or, dentelle d'argent, avec un décor de fleurs multicolores, couronne fermée et le tétragramme au nom de Yahvé.
Quatre panneaux de forme ogivale réunis en une croix grecque avec Le Christ Bon Pasteur devant un paysage vallonné, Marie-Madeleine (?) avec l'Esprit Saint devant la mer et deux croix fleurdelisées rouges dans un entourage de semences de perles.

Précieux travail conventuel du XVIIe siècle.

Haut. 25 cm.
Bon état de fraicheur général, petits manques et accidents.

Provenance : collection particulière, Lochois.

Ciborium veil embroidered in gold, silver and silk threads, made in a French convent in the 17th century.

Bibliographie : Josiane Cougard-Fruman et Daniel H. Fruman, "Le trésor brodé de la cathédrale du Puy-en-Velay", Albin Michel, Paris, 2010, un pavillon de forme comparable reproduit p. 203.

Charles-Antoine Coypel (Français, 1694-1752)
Corpus inédit de l’œuvre théâtrale, c. 1719-1752

Sept volumes in-4 reliés couverts marbré bleuté d’époque et quatre cahiers in-4 ainsi que la copie manuscrite d’une lettre.

Trente-neuf manuscrits, mis au propre à plusieurs mains, réunissant notamment trente-deux pièces (trente comédies et deux tragédies), dont sept pièces inédites à ce jour : Le Portrait, Ariste, L'Ecueil de la Jeunesse, L'Ecole des Petits-Maîtres, Le Satyrique, L'Enfant Gâté et La Curiosi-Manie.

Provenance : bibliothèque de l’auteur ; conservé depuis l’origine dans la famille de son frère et unique héritier Philippe Coypel (1703-1777) ; par descendance et par alliance ; collection particulière, Tours.

Previously unseen corpus of the theatrical work of Charles-Antoine Coypel, First Painter to the King, comprising 39 manuscripts including 32 plays gathered in seven bound volumes, four notebooks and one letter.

Description complète sur le site rouillac.com.

CORPUS INEDIT DE L’ŒUVRE DRAMATIQUE DE CHARLES-ANTOINE COYPEL, PREMIER PEINTRE DU ROI ET DIRECTEUR DE L’ACADEMIE ROYALE DE PEINTURE ET DE SCULPTURE

Charles-Antoine Coypel appartient à l'une des dynasties artistiques les plus influentes de la France du XVIIIe siècle. Son grand-père Noël dirigea l'Académie de France à Rome et son père Antoine fut Premier peintre du roi. Charles-Antoine leur succéda naturellement, atteignant en 1747 le double sommet de la hiérarchie des arts : Premier peintre du roi et directeur de l'Académie royale de peinture et de sculpture. Portraitiste, pastelliste et concepteur des cartons de la célèbre série Don Quichotte pour la Manufacture des Gobelins, il travailla pour Louis XV, Marie Leszczynska et Madame de Pompadour. Ses tableaux les plus célèbres, La Colère d'Achille (musée de l'Ermitage) et Athalie interrogeant Joas (musée des Beaux-Arts de Brest), témoignent d'une esthétique où la peinture devient scène de théâtre.

Car Coypel nourrissait une seconde passion, moins connue : l'écriture dramatique. Il composait des pièces destinées non aux scènes publiques, mais aux salons de la haute société et aux appartements de la famille royale. Il les définissait lui-même comme des « réflexions morales mises en action ». Le Dauphin les tenait en permanence sur sa table et projetait de les faire imprimer à ses frais. Sa mort fit évanouir ce projet. Voltaire, lui, s'en agaça dans une épigramme restée célèbre : « Il est poète au pinceau, et peintre par hasard. »

Le fonds présenté ici constitue le corpus quasi complet de cette œuvre dramatique. Il se compose de sept volumes in-4 reliés en cartonnage marbré bleuté d'époque, quatre cahiers in-4 à cordons de soie bleus et la copie d'une lettre adressée à l'abbé de Rothelin, confident et collaborateur littéraire de l'artiste. Trente-deux titres sont réunis au total : trente comédies en prose et deux tragédies en vers. Sept pièces demeurent inédites à ce jour : Le Portrait, Ariste, L'Ecueil de la Jeunesse, L'Ecole des Petits-Maîtres, Le Satyrique, L'Enfant Gâté et La Curiosi-Manie, cette dernière constituant une vive satire du monde des collectionneurs de dessins.

Ces manuscrits étaient jalousement gardés : le duc de La Vallière, qui en possédait une copie, rapporte que Coypel était « fort jaloux de ne pas les rendre publiques » et que l'obtention d'un exemplaire constituait « une preuve de la plus grande confiance ». Plusieurs volumes portent des ratures, corrections et ajouts autographes, témoins directs du travail de l'artiste sur ses textes.
Trois copies manuscrites sont conservées dans les collections publiques bibliothèques de Valenciennes, de la BnF et de l'Arsenal mais elles ne comptent que vingt et un titres au total. Ces manuscrits, conservés dans la famille depuis plus de 250 ans par descendance directe depuis le frère et unique héritier de l'artiste, sont la source la plus complète qui existe pour l'étude de l'œuvre dramatique de Coypel et de ses liens profonds avec sa pratique picturale.

Ce corpus constitue une source de premier plan pour l'histoire du théâtre de société et l'étude des relations entre peinture et littérature au début des Lumières.
Certificat de sortie du territoire français.

Ecole française du XVIIIe siècle, entourage de Jean Jouvenet
Le jeu de mains

Toile
Inscrit au revers 'Jouvenet pinxit' et deux monogrammes

Haut. 65,5 Larg. 54 cm
(Restaurations anciennes)

Clapping Game on canvas, by the entourage of Jean-Baptiste Jouvenet.

Hubert Robert (Français, 1733-1808)
La basilique Saint Pierre illuminée, effet de nuit

Toile et châssis d'origine.
Signée en bas à gauche à la hampe du pinceau : Roberti.. 12 (?)P. Inscrit au dos 'Maury'.

Haut. 49 cm Larg. 38,5 cm.
Petits soulèvements et manques.
Cadre en bois doré.

Provenance : descendance de Jacques Nicolas Joseph Célier de Bouville (1727-1789), château de Bouville, Cloyes ; collection particulière, Touraine.

St. Peter’s Basilica Lit Up on canvas, by Hubert Robert.

Numérisation en très haute définition et passeport digital sécurisé dans la blockchain par Nüme, accessible sur demande depuis rouillac.com

Peintre des ruines et d'architectures, souvent imaginaires, Hubert Robert nous livre ici une vision saisissante de la Basilique Saint-Pierre plongée dans une atmosphère nocturne. L'immensité de l'édifice est magnifiée par un jeu subtil de clair-obscur : une source lumineuse centrale éclaire partiellement les colonnes monumentales et les voûtes, laissant le reste de l'espace dans une pénombre vibrante.

Les figures humaines, réduites à de simples silhouettes, accentuent l'échelle grandiose du lieu et invitent le spectateur à une expérience presque méditative. Fidèle à son goût pour les perspectives théâtrales et les effets de lumière, Robert ne cherche pas seulement à représenter un espace réel, mais à en révéler la dimension poétique et spirituelle.

Notre tableau illustre parfaitement la fascination du XVIIIe siècle pour les grandes architectures italiennes, tout en témoignant du talent de l'artiste à transformer un monument emblématique en une scène empreinte de mystère et de contemplation. Il s'inscrit dans une tradition picturale bien établie à Rome au XVIIIe siècle, qu'Hubert Robert découvre lors de son séjour italien, et témoigne de sa proximité amicale et artistique avec Giovanni Paolo Panini (1691-1765) avec lequel il partage un intérêt marqué pour les grandes architectures romaines.

Panini s'était fait une spécialité des vues intérieures monumentales, notamment de la Basilique Saint-Pierre, qu'il représentait avec une précision quasi scénographique, animée de nombreuses figures. Chez lui, la lumière met en valeur la splendeur décorative et la rigueur de l'espace, dans une approche proche de la veduta, là ou Robert, tout en s'inspirant de ces compositions, s'en distingue par une interprétation plus libre et plus sensible. Panini privilégie la clarté descriptive et l'ordonnancement, Robert introduit une atmosphère plus poétique, presque onirique. Les effets nocturnes, les contrastes lumineux et la dissolution partielle des formes confèrent à ses vues une dimension émotionnelle et pittoresque qui dépasse la simple représentation topographique.

Ce dialogue entre les deux artistes témoigne d'une évolution du regard porté sur l'architecture : de la
célébration précise et brillante du monument chez Panini à une vision plus intériorisée et suggestive chez Robert, où l'espace devient le théâtre d'une expérience esthétique et sensible. De nombreuses études dessinées ou peintes tant à l'intérieur qu'à l'extérieur (Colonnade, péristyle, façade) témoignent de l'intérêt qu'Hubert Robert portait à ce lieu. L'une d'entre elles est en relation directe avec notre tableau. Elle provient de l'ancienne collection de Martine comtesse de Béhague, présentée lors de la vente du 1er décembre 1989, chez Sotheby's à Monaco, "Tableaux et dessins anciens - Chef d'oeuvres de la collection de Martine - Comtesse de Béhague provenant de la succession du Marquis de Ganay", lot n°23, puis vendu le 17 mars 2010, chez Blanchet & Associés à Paris, n°10.

Ecole française du XVIIIème siècle, entourage de Nicolas de Largillière (Français, 1656-1746)
Portraits présumés de Monsieur et Madame de Lamotte

Paire de toiles.
Etiquettes au dos avec mentions manuscrites pour l'un : "Portrait de Madame de Lamotte, de la famille de Mme d'Erville grand-mère maternelle de Mr Augustin Marie Guillaume Depaut de St Marceaux' et pour l'autre 'Portrait de Monsieur de Lamotte, de la famille de Mme d'Erville grand-mère maternelle de Monsieur Augustin Marie Guillaume Depaul de Saint Marceaux'

Haut. 91 Larg. 73 cm.
(restaurations anciennes)
Cadre mouluré en bois et stuc doré, 103,5 x 89,5 cm, accidents et manques.

Provenance : collection particulière, Berry.

Pair of canvases presumed to portray Monsieur de Lamotte and his wife, by the entourage of Nicolas de Largillière.

Ecole française du XVIIIe siècle, d’après Jean-Honoré Fragonard (Français, 1732-1806)
Le Colin-Maillard

Toile.

Haut. 106 Larg. 86 cm.
Restaurations.
Riche cadre en bois sculpté : 134 x 114,5 cm.

Provenance : collection particulière, Berry.

Blind-Man’s Buff on canvas after the composition by Fragonard in the collections of the Toledo Museum of Art, U.S.A.

Notre tableau est réalisé d'après la composition conservée au musée d'art de Toledo aux Etats-Unis, qui est datée entre 1750 et 1752.

Thomas Compigné (actif à Paris entre 1748 et 1778)
Vue des environs de Rome

Médaillon en étain polychromé sur fond d'écaille.
Mention sur le bord "Vue des environs de Rome faite sur le tour".
Etiquette au revers "16 / 100 frs".

Diam. 8,5 cm.
Petits accidents.
Sans cadre.

Provenance : collection particulière, Thouars.

View of the Surroundings of Rome, tin marquetry on tortoiseshell ground by Thomas Compigné.

Thomas Compigné (actif à Paris entre 1748 et 1778)
Vue des environs de Florence

Médaillon en étain estampé, polychromé à la gouache, doré et vernis sur fond d'écaille.
Mention "Vue des environs de Florence fait sur le tour".
Etiquette au revers numérotée "18".

Diam. 8,5 cm.
Sans cadre.

Provenance : collection particulière, Thouars.

View of the Surroundings of Florence, polychrome tin on tortoiseshell ground by Thomas Compigné.

Thomas Compigné (actif à Paris entre 1748 et 1778)
"Première vue de Marseille"

Médaillon en étain estampé, polychromé à la gouache, doré et vernis sur fond d'écaille.
Mention sur le bord "Première vue de Marseille exécutée sur le tour par Compigné tourneur du roi à Paris d'après le tableau original de M. Vernet peintre de sa Majesté". Trace d'étiquette au revers.

Diam. 8,6 cm.
Petits manques
Sans cadre.

Provenance : collection particulière, Thouars.

First View of Marseille after Vernet, polychrome tin on tortoiseshell ground by Thomas Compigné.

Thomas Compigné (actif à Paris entre 1748 et 1778)
"Seconde vue de Marseille"

Médaillon en étain estampé, polychromé à la gouache, doré et vernis sur fond d'écaille.
Mention sur le bord "Seconde vue de Marseille... St Jean exécuté sur le tour par Compigné tourneur du Roi à Paris d'après le tableau original de Mr Vernet peintre de Sa Majesté".

Diam. 7,5 cm.
Sans cadre.
Petits manques

Provenance : collection particulière, Thouars.

Second View of Marseille after Vernet, polychrome tin on tortoiseshell ground by Thomas Compigné.

Thomas Compigné fait partie de ces personnalités artistiques à la biographie antagonique. D’une part, il se révèle être l’un des plus fameux tabletiers de la seconde moitié du XVIIIe siècle, célébré pour ses tableautins et tondi ornés de miniatures aux marines, vues de châteaux et d’Italie. D’autre part, il s’avère difficile de retracer son histoire, au regard d’une bibliographie relativement muette. Jusqu’alors présenté comme arrivé d’Italie vers 1750, il acquiert en réalité en qualité de "bourgeois de Paris" le fonds d'André Regnard Dandre, "peigner et tabletier privilégié suivant la Cour en conseil de sa Majesté" le 7 novembre 1748, comme nous l’apprennent les archives du notaire Nicolas Michel Leroux (AN ET LXV-306). La somme de 1.800 livres est payée à sa veuve, Madeleine Combe. Il établit son activité à l'enseigne du Roi David, rue Grenata.

Le Mercure de France ne tarde pas à remarquer en 1756, l’ingéniosité de son travail : "[Compigné] va incessamment mettre au jour différents dessins de sa composition, qu’il exécute sur l’écaille & sur le carton ; l’effet de ce travail est d’autant plus frappant qu’il représente le naturel. Ceux qui désireront les avoir sur or & sur argent, ou autres métaux, pourront les lui commander : il les rendra avec autant de précision que tells desseins Chinois, de fleurs, d’architecture, de païsage, & autres qu’on voudroit se procurer. Il double en écaille les tabatieres de carton: il raccommode les unes & les autres, & vend des deux expeces à tres-juste prix, en grous & en detail. On trouvera encore chez lui des assortimens de toutes expeces, en ce qui concerne la Tabletterie."

Sa technique reste mystérieuse, sinon des plus complexes. Il utilise effet un morceau d’étain estampé en relief, qu’il applique sur une feuille de composition amalgamée ou d’écaille, à l’instar des cinq médaillons présentés dans cette vente. Les compositions sont ensuite rehaussées à la gouache, au vernis et à l’or. Aujourd’hui, le nom du créateur est donné pour qualifier sa technique et ses objets.

Les compositions des « Compignés » sont inspirés de dessins qui « lui sont remis pour modèle », comme le précise l’Almanach du Dauphin en 1777. Parmi les cinq médaillons de cette collection, deux vues de Marseille sont réalisées "d’après le tableau original de Mr Vernet peintre de sa Majesté". Joseph Vernet se voit confier en 1753, la commande d’une série de 24 tableaux représentant les ports de France. Si seulement 15 sont finalement réalisés, deux sont consacrés au port de Marseille : L'entrée du port de Marseilles (1754, musée du Louvre, n°inv 8293) et L'intérieur du port de Marseille (1754, dépôt du musée du Louvre au musée National de la Marine, n°5OA3D). Compigné s’inscrit alors dans cette mode pour les vues d'après Vernet qu'encensent Diderot et toute la critique.

S’il profite d’un certain succès, remettant notamment un tableau d’écaille figurant "Les Malheurs réparés par la Bienfaisance", à la Dauphine Marie-Antoinette pour la fête de Noël 1773, son activité cesse en novembre 1778, par suite de la déclaration de sa faillite.

Brice Langlois

Attribué à Thomas Compigné (actif à Paris entre 1748 et 1778)
Marine

Médaillon en étain estampé, polychromé à la gouache, doré et vernis sur fond d'écaille.

Diam. 7,2 cm.
Petits accidents et manques
Sans cadre.

Provenance : collection particulière, Thouars.

Seascape, polychrome tin on tortoiseshell ground, attributed to Thomas Compigné.

Giacomo Raffaelli (Italien, 1753-1836) et son atelier
Vue du Colisée, 1784.

Micro-mosaïque sur cuivre.
Signée, située et datée au revers.

Rome, San Sebastianello.

Montée sur une boite circulaire en écaille, or et vermeil. L'intérieur en or et fond en fer.
Poinçon tête de vanneau utilisé à Paris pour la décharge des menus ouvrages en or ou argent sous la régie d'Henri Clavel et de Jean-François Kalendrin entre 1782 et 1789.

Haut. 25,5 Diam. 80,4 mm.
Poids brut : 117,1 g.
Accidents.

Provenance : succession Pierre de Barrigue de Montvallon (1923-2020), dit Piem, Notre Dame d'Oé.

View of the Colosseum, micromosaic on a tortoiseshell, gold and vermeil box by Raffaelli and his studio, 1784.

Bibliographie : Anna Maria Massinelli, "Giacomo Raffaelli (1753-1836) : maestro di stile e di mosaico", Florence, Aska, 2018, une composition très proche reproduite page 240.

Micromosaic representing The Colosseum in Rome, by Giacomo Raffaeli in 1784, on a gold, enamel, tortoiseshell and vermeil box in Paris.

Descendant d'une famille de mosaïstes qui a notamment oeuvré à la cour pontificale, Raffaelli est l'inventeur vers 1775 de la technique de la "mosaico in piccolo", c'est à dire la micro-mosaïque. Sa première exposition connait un important succès et il produit alors une très grande variété d'objets : plateaux de table, médaillons pour décor de boites ou encore tableaux en micro-mosaïque. Il réalise de nombreuses pièces pour les souverains comme le roi de Pologne mais aussi le pape Pie VII pour lequel il réalise une horloge offerte à Napoléon, aujourd'hui conservée au Victoria and Albert Museum à Londres (Loan Gilbert.4:1 to 4-2008). A la demande de Napoléon, il est envoyé à Milan pour diriger un atelier de mosaïstes chargé de reproduire la Cène de Léonard de Vinci (aujourd'hui dans l'église des Frères mineurs à Vienne) afin de remplacer la fresque que l'Empereur souhaitait envoyer à Paris.

Notre mosaïque, signée et datée, se situe relativement tôt dans la carrière de l'artiste. Cette vue du Colisée est typique de l'engouement des élites européenne pour l'étude des vestiges romains lors du Grand Tour. La représentation favorite reste l'Arc de Janus et du Temple de Sybile (Victoria and Albert Museum, Londres). Les dimensions et la technique de notre boite la rapproche d'une autre, également signée, figurant le temple de Vesta à Tivoli réalisée vers 1800 (vente Sotheby's, Londres, An Italian Collecting Journey, 26 mars 2026, n°432) et d'une broche figurant le Colisée (vente Christie's, Londres, 5 décembre 2019, n°148).

N.C.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
L’arrivée à Reykjavik, 1836

Quatre dessins à l'aquarelle et rehauts de blanc, signés, datés et situés ou seulement daté :
- Rade de Reykjavik, Esja.
- Maison de pêcheur à Reykjavik.
- Bær de Göthus à Reykjavik.
- Pètur Olafsson, poissonnier, Reykjavik.

Haut. 27 Larg. 44 cm.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. The arrival in Reykjavik. Four watercolour drawings. 1836.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyage en Islande et au Groënland exécuté pendant les années 1835 et 1836 sur la corvette La Recherche dans le but de découvrir les traces de La Lilloise", Paris, Bertrand, dessins préparatoires des planches 7, 18 et 9.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
Chemin vers les Geysers, 1836

Trois dessins au crayon ou à l'aquarelle, avec rehauts de blanc, signés, datés et situés :
- Eruption du grand Geysir.
- Vue générale de l’Almannagja, prise du temple de ingvellir.
- Cataracte de Bruara, route de ingvellir aux Geysirs.

Haut. 27 Larg. 44 cm.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. Path to the Geysers. Three pencil and watercolour drawings. 1836.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyage en Islande et au Groënland exécuté pendant les années 1835 et 1836 sur la corvette La Recherche dans le but de découvrir les traces de La Lilloise", Paris, Bertrand, dessins préparatoires des planches 34, 39 et 41.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
Vues des terres, 1836

Cinq dessins au crayon ou à l'aquarelle, signés, datés et situés :
- Skáholt , 1836. Crayon.
- Bær de Selsund près du Mont Hekla . Aquarelle.
- Route de Selsund au mont Hekla . Aquarelle.
- Temple de Breidabolstadur . Aquarelle.
- Intérieur d’une cuisine à Egdalir . Aquarelle.

Haut. 27 Larg. 44 cm.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. Land scenes. Five pencil or watercolour drawings. 1836.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyage en Islande et au Groënland exécuté pendant les années 1835 et 1836 sur la corvette La Recherche dans le but de découvrir les traces de La Lilloise", Paris, Bertrand, dessins préparatoires des planches 47, 50, 52, 55 et 101.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
"Rochers basaltiques de Dverghamrar", 1836

Aquarelle.
Signée, datée et située en bas à gauche : Dverghamrar, le 11 Juillet 1836, A. Mayer .
Au verso, des mesures et des tracés au crayon.

Haut. 27 Larg. 44 cm.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. Dverghamrar basalt rocks. Watercolour. 1836.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyage en Islande et au Groënland exécuté pendant les années 1835 et 1836 sur la corvette La Recherche dans le but de découvrir les traces de La Lilloise", Paris, Bertrand, dessins préparatoires de la planche 75 : Rochers basaltiques de Dverghamrar. Ces rochers, de mimosite porphyroïde, rappellent par leur forme prismatique, les belles colonnades de la chaussée des Géants, dans les Orcades.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
"Glacier de Svinafellsjokull", 1836.

Aquarelle.
Signée, datée et située en bas à gauche : Glacier de Svinafellsjokull, 13 Juillet 1836, A. Mayer .

Haut. 27 Larg. 44,5 cm.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. Svinafellsjokull Glacier. Watercolour. 1836.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyage en Islande et au Groënland exécuté pendant les années 1835 et 1836 sur la corvette La Recherche dans le but de découvrir les traces de La Lilloise", Paris, Bertrand, dessins préparatoires de la planche 80 : Glacier de Svinafells - Jokull. L’azur de ces belles aiguilles est souvent altéré par des zones noirâtres de matières volcaniques.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
"Sommet du mont Stafsheidi", 1836.

Crayon et rehauts de blanc.
Signé, daté et situé en bas à droite : 25 Juillet 1836, Sommet du Stafsheidi, A. Mayer .

Haut. 27 Larg. 43,5 cm.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. Summit of Stafsheiði mountain. Pencil and white heightening. 1836.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyage en Islande et au Groënland exécuté pendant les années 1835 et 1836 sur la corvette La Recherche dans le but de découvrir les traces de La Lilloise", Paris, Bertrand, dessins préparatoires de la planche 103 : Sommet du mont Stafsheidi. Il est composé de phonolite tabulaire, traversée par de nombreux dykes.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
Intérieur de la grotte de glace à Surtshellir, 1836.

Aquarelle.
Signée et datée en bas à gauche : A. Mayer, 16 Août 1836 .

Haut. 27 Larg. 44 cm.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. Interior of Surtshellir ice cave. Watercolour. 1836.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyage en Islande et au Groënland exécuté pendant les années 1835 et 1836 sur la corvette La Recherche dans le but de découvrir les traces de La Lilloise", Paris, Bertrand, dessins préparatoires de la planche 132 : Intérieur de la grotte de glace, à Surtshellir. La glace tapisse la lave et présente de magnifiques stalactites et stalagmites pures comme du cristal de roche.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
Voyage en Scandinavie, 1838

Trois dessins au crayon ou à l'aquarelle, signés, datés et situés :
- Glacier à l’E.S.E. de la baie de Bell-sound." Situé Spitzberg". 23,8 x 34,8 cm.
- Scieries de Braadstad, près Lund. 27,5 x 44,5 cm.
- Tour de Munkholm, rade de Drontheim. 24 x 32,5 cm.

Format divers.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. Journey in Scandinavia. Three pencil and watercolour drawings. 1838.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyages de la Commission scientifique du Nord en Scandinavie", Paris, Bertrand, 1852, dessins préparatoires des planches 138, 58 et 93.

Auguste Mayer (Français, 1805-1890)
Voyage en Scandinavie, 1845

Quatre dessins au crayon ou à l'encre, avec rehauts de blanc, signés, datés et situés :
- Tumulus de Gamla Upsala. 27,5 x 44,5 cm.
- Château de Rosenborg. 32 x 24,5 cm.
- Tour de la chapelle du château de Kronborg. 24,5 x 32 cm.
- Ruines de l’église St Pierre, à Sigtuna, sur le Melar. 44,5 x 27,5 cm.

Format divers.

Provenance : collection de Paul Guieysse (1841-1914), conseiller général du canton de Lorient-Nord (1881-1889 et 1898-1901), député du Morbihan entre 1890 et 1910 et ministre des Colonies entre 1895 et 1896 ; par transmission familiale, collection particulière, Paris.

Mayer. Journey in Scandinavia. Four pencil or ink drawings and white heightening. 1845.

Bibliographie : Joseph Paul Gaimard, "Voyages de la Commission scientifique du Nord en Scandinavie", Paris, Bertrand, 1852, dessins préparatoires des planches 198, 10, 4 et 201.

Marie-Aimée Lucas-Robiquet (Française, 1858-1959)
Scène dans une palmeraie

Toile.
Signée en bas à droite.

Haut. 38,5 Larg. 55 cm.
Toile reclouée sur châssis, restaurations, petits accidents.
Sans cadre.

Bibliographie : Kelly Mary, "French women Orientalist artists, 1861-1956 : cross-cultural contacts and western depictions of difference", London, New-York, Routledge, 2021, des précisions biographiques p. 29-58.

Robiquet. Scene in a palm grove. Canvas.

Marie-Aimée Lucas-Robiquet fait partie de ces femmes qui ont dû lutter pour s'imposer sur la scène artistique française. L'école des Beaux-Arts lui étant interdite, elle entre dans l'atelier du peintre Félix Barrias, dont elle retient le goût pour l'orientalisme. Après son mariage avec Maurice-Edouard-Louis-Henri Lucas, soldat français basé en Algérie, elle s'installe à Constantine, où elle se consacre pleinement à la peinture. Son orientalisme témoigne de couleurs vibrantes et d'une touche impressionniste sous-jacente.

Notre tableau qui est un brillant hommage au travail et à la vie des femmes en Algérie, au-delà de la simple représentation de la vie quotidienne dans ces villages, au tournant des XIXe et XXe siècles. Le thème n'est pas sans rappeler une oeuvre de l'artiste intitulée "La Cueillette des dattes dans un jardin de Négrine", présentée à l'Exposition de l'Union artistique de Toulouse en 1898. Les oeuvres qu'elle présente en France sont louées par la critique à commencer par Louis Gonse et le peintre Luc-Olivier Merson, qui ne tarit pas d'éloge à son propos.

B.L. et N.C.

Pierre-Auguste Renoir (Français, 1841-1919)
Andrée au chignon, 1919

Toile.
Cachet d'atelier en bas à gauche.

Haut. 30,4 Larg. 28 cm.

Provenance : succession de l'artiste ; ancienne collection de la galerie Bernheim-Jeune, Paris, 1919.

The last portrait on canvas painted by Pierre-Auguste Renoir in 1919 entitled Andrée au chignon (Andrée with a hair bun).

Avis d'inclusion dans le catalogue critique du peintre par le Wildenstein Institute, 27 mars 2015.
Art Loss Register, 19 avril 2024, n°S00242360.

Bibliographie :
- "L'atelier de Renoir, tome II", Bernheim Jeune, Paris, 1931, pl 227, n°719 ;
- Guy-Patrice et Michel Dauberville, "Catalogue raisonné des tableaux pastel, dessins et aquarelles 1911-1919", Berheim-Jeune, 2014, reproduit p 359, n°4248.

LE DERNIER PORTRAIT PEINT PAR RENOIR

Dernier portrait publié dans le catalogue rétrospectif « L’atelier de Renoir » en 1931 par Bernheim Jeune sous le n°719, cette toile n’est suivie que par l’ultime œuvre du maître, les « Pommes », réalisée deux jours avant sa mort. La jeune femme représentée est une rousse de 19 ans qui a illuminé les dernières années d’un homme perclus par l’arthrite, immobilisé dans sa chaise roulante et aux doigts duquel il fallait attacher un pinceau pour qu’il puisse peindre. Madeleine Heuschling (1900-1979), dite Andrée, entre en 1915 dans la vie de Renoir, auprès duquel Matisse l’a envoyé. Il a rencontré ce modèle à la beauté singulière à l'Ecole d'art décoratif de Nice, troublé de constater sa ressemblance avec « un Renoir ». Après Gabrielle, Andrée devient la muse du peintre qui confie : "Qu’elle est belle ! J’ai usé mes vieux yeux sur sa jeune peau et j’ai vu que je n’étais pas un maître mais un enfant."

Un prodigieux cri d'amour

Avec Dédée, Renoir poursuit sa quête inlassable de la sensualité féminine : la moindre rose dans ses cheveux devient une allégorie de la beauté, et la nature au milieu de laquelle elle pose nue, une évocation de l’Antiquité rêvée. En 1916, après la mort de son épouse, Renoir rentre à Paris où son fils Jean, blessé sur le front, est en convalescence. Le jeune homme tombe à son tour sous le charme d’Andrée, à propos de laquelle il écrit dans ses mémoires : "Sa peau repoussait encore moins la lumière que celle de tous les modèles que Renoir avait eus dans sa vie. Elle chantait d'une voix un peu fausse des refrains à la mode était gaie et dispensait à mon père les effluves vivifiantes de sa jeunesse épanouie. Andrée est l'un des éléments vivants qui aidèrent Renoir à fixer sur la toile le prodigieux cri d'amour de la fin de sa vie."

La muse du père... puis du fils !

De retour au domaine des Collettes, à Cagnes-sur-Mer, les séances de pose s’enchaînent. Andrée inspire à Renoir sa dernière grande toile testament, aux formes diluées et aux couleurs vibrantes : Les baigneuses, que ses fils offriront à la France (1918-1919, Musée d’Orsay, Paris, RF 2795). L’artiste meurt chez lui le 3 décembre 1919, non sans avoir immortalisé Dédée dans cet ultime portrait, les cheveux relevés sur la tête, le regard bleu tourné vers la droite, le sourire attentif, se détachant sur un fond de verdure. Renoir soigne particulièrement le visage, laissant le fond de la toile par endroit nu ou esquissé à larges coups de brosse, comme un testament intime à l’intention de son dernier modèle. Moins de deux mois plus tard, Andrée devient madame Jean Renoir, qui l'épouse en janvier 1920 avec pour projet d’en faire une vedette de cinéma, sous le nom de Catherine Hessling. Après avoir inspiré les dernières années du maître impressionniste, la jeune niçoise devient ainsi la muse d’un flamboyant pionnier du cinéma français !

Otto Henry Bacher (Américain, 1856-1909)
La sieste

Toile.
Signée.

Haut. 36 Larg. 51,5 cm.
Cadre en bois mouluré, stucqué et doré. 53 x 68 cm.

The Siesta. Canvas by Otto Henry Bacher.

Originaire de Cleveland, Otto Henry Bacher est l'un des fondateurs de l'Académie des Beaux-Arts de la ville. Au coté de Willis Seaver Adams, il étudie à l'école des Beaux-Arts de Munich en 1878 puis voyage dans différentes régions européennes. Devenu ami avec James McNeill Whistler, il continue de pratiquer la peinture et la gravure en se nourrissant de sa manière impressionniste. Revenu aux Etats-Unis en 1888, il s'installe à New York après son mariage et devient l'un des membres de la colonie d'artistes de Lawrence Park, aux côtés de Frank Duveneck et William Merritt Chase. Il reçoit différent prix, et notamment une médaille d'argent à l'Exposition universelle de Saint Louis en 1904 pour ses gravures. Il est considéré comme l'un des précurseurs de la modernité dans l'art américain ainsi que l'un des membres fondateurs de la première école de peintres impressionnistes à Cleveland.

Jules Desbois (Français, 1851–1935)
Masque de la mort, c. 1903-1904

Grès émaillé.
Réalisé par Paul Jeanneney (1861-1920).

Haut. 26,5 Larg. 20 Prof. 12 cm.

Provenance : ancienne collection du Docteur Paul Henri Clergeau (1877-1941) à Varennes-Changy dans le Loiret.

Stoneware mask of death by Jules Desbois, circa 1903-1904.

Œuvres en rapport : Montréal, Musée des Beaux-Arts, inv. 2011.202 ; New Jersey, Zimmerli Art Museum, inv. 2001.0970 ; Parçay-Les-Pins, Musée Jules Desbois, inv. P.R. D. 001.2.3 ; Nevers, Musée de la faïence et des Beaux-arts, NF 1296 ; Paris, Galerie Nicolas Bourriaud, avril 2026 ; Auxerre, vente Me. Lefranc, 9 janv. 2026, n°334.

Bibliographie :
- Pierre Maillot, Raymond Huard, Jules Desbois, sculpteur (1851-1935), Paris, 2001 ;
- Charles Saunier, La sculpture aux Salons de 1893, in La Plume n°100, p. 278-279 ;
- Catalogue de l’exposition Masques de Carpeaux à Picasso, Paris, 2008, n° 148 et 149, pages 37 et 241.

Collectionneur et médecin des pauvres, le docteur Paul Clergeau est l'un des dirigeants du rayon communiste de Montargis en 1932, combattant infatigable pour repousser les limites de la Vie. Ce Masque de la mort est dû au talent de Jules Desbois, qui l'expose pour la première fois, en étain, au Salon de 1893. Il a parfois été attribué à tort à Rodin qui travaille au même moment à son Balzac et avec lequel Dubois qui travaille à partir de 1878 au Palais du Trocadéro. Ce masque est en réalité un fragment de l'oeuvre "La mort et le bucheron" qui avait frappé la critique par son réalisme en 1890.

Notre version en grès est réalisée par Paul Jeanneney (1861-1920), un ami du sculpteur Jean-Joseph Carriès. Il a installé son atelier au château de Saint-Amand en Puisaye dans la Nièvre. Certains de ces masques portent en effet parfois la signature des deux artistes, Desbois et Jeanneney et sont datés de 1903 ou 1904, avec la mention de St Amand. Cette même année 1903, Rodin écrit à l'administration des Beaux-arts : "Desbois est l'un des plus grands sculpteurs de l'époque", ajoutant à ses amis : "Quand je serai mort, Desbois sera le plus grand sculpteur". Ce Masque de la mort avec ses traits déformés et son engobe brune en est un saisissant témoignage

Camille Claudel (Française, 1864-1943)
La vérité sortant du puits, c. 1900-1905

Bronze.
Fonte posthume à la cire perdue.
Signé « C. Claudel ».
Cachet du fondeur Chapon, numéroté 7/8.

Haut. 43 Larg. 31 Prof. 20 cm.

Provenance :
- le plâtre offert en cadeau de mariage par Eugène Blot à son cousin Léon Cahen, 1907 ;
- par descendance, famille de Boissieu, Paris ;
- le bronze, collection particulière, Hong Kong.

Camille Claudel. An 1900 bronze sculpture entitled La vérité sortant du puits (The Truth Emerges from the Well). Signed and numbered.

Certificat d’authenticité de Reine-Marie Paris.

Bibliographie :
- Reine-Marie Paris, Philippe Cressent, Camille Claudel, catalogue raisonné, cinquième édition revue et augmentée, Paris, Economica Culture, 2019, n°68, pp 484-488.
- Anne Rivière et Bruno Gaudichon, Camille Claudel, l'expression farouche de l'intime, Paris, éditions Hazan, 2025, p. 143.

DREYFUS EST INNOCENT !

Cette Vérité sortant du puits est un véritable manifeste dreyfusard de Camille Claudel, là où Auguste Rodin avait confortablement préféré le silence, "s’accommodant de l’antisémitisme ambiant pour préserver ses intérêts auprès d’éventuels commanditaires", comme le relève le musée Rodin. Camille Claudel réinterprète brillamment la toile d’Edouard Debat-Ponsan (Amboise, musée de l’Hôtel de Ville) présentée au Salon de 1898. Elle avait été offerte à Emile Zola par souscription publique lors de l’Exposition universelle de 1900, afin de célébrer l’engagement de l’auteur de "J’accuse", qui mena le combat pour la libération et la réhabilitation du capitaine juif Alfred Dreyfus. La Vérité, triomphante, émerge nue du puits où elle était enfermée, tandis que deux hommes, allégories de l’Armée et de l’Eglise, cherchent à l’y replonger pour la cacher. Cette image trouve son origine dans la philosophie présocratique ainsi que dans une fable de Jean-Pierre Claris de Florian, qui permit à de nombreux artistes de personnifier leurs combats.

Il faut réfuter la théorie suivant laquelle cette Vérité serait un simple "marcottage", c’est-à-dire la réutilisation d’une œuvre préexistante pour en créer une nouvelle. Cette pratique poussée avec génie à son paroxysme par Rodin se justifierait ici pour certains par les grandes similitudes de La Vérité (1900-1905) avec La Valse (1889-1893) et avec La Fortune (1900), dont les figures féminines sont semblables. Camille Claudel réalisait fréquemment différentes variantes d’une même œuvre, avec des différences de détails entre celles-ci. Le meilleur exemple pourrait être La Valse, qui compte, à elle seule, douze versions. Toutefois, l’absence de traces d’assemblage permet d’attester la thèse d’une variation autour d’un motif commun et non d’une simple reprise, tout comme la construction de la margelle du puits est inédite dans l’œuvre de l’artiste. Le voile de cette Vérité est un véritable exercice de style, bien plus ample et marqué que celui de La Fortune. Son visage, proche de celui La Valse, est sublimé par ses bras brisés, comme ceux la Vénus de Milo, qui donne à cette sculpture la puissance d’une allégorie antique.

Cette œuvre peu documentée met un terme aux interprétations de ses déclarations tardives, marquées par des crises de paranoïa délirante qui participeront à son internement en 1913. Le plâtre a été découvert par Reine-Marie Paris chez les descendants de Léon Cahen, qui l’avait reçu de son cousin Eugène Blot en cadeau pour son mariage en 1907. Réalisée avant la disculpation officielle de Dreyfus, il constitue un témoignage de soutien de la sculptrice à Eugène Blot, son fondeur, marchand et mécène le plus fidèle. Un seul autre bronze, également posthume dans les collections du musée Camille Claudel à Nogent-sur-Seine, est à ce jour public.

James Ensor (Belge, 1860-1949)
Vierge et mondaine (avec Alexandra Daveluy), c. 1933

Toile.
Signée en bas à gauche.
Au dos, sur le châssis : étiquette de Guillaume Campo à Anvers, numéro olographe « 5272 » entouré, les dimensions écrites plusieurs fois, inscription : « Ensor 27 rue de Flandres Ostende ».

Haut. 60 Larg. 74 cm.

Provenance :
- vente Mak van Waay, Amsterdam, 8 mars 1960, n°118 ;
- vente Campo, Anvers, 3 avril 1963, n°50 ;
- collection Léon Blavier, Liège ;
- par descendance, collection particulière, Touraine.

James Ensor. Virgin and Woman of the World (with Alexandra Daveluy). Canvas, circa 1933.

Art Loss Register, 19 janvier 2026, n°S00266979.

Bibliographie : Xavier Tricot, James Ensor : Catalogue raisonné des peintures, Bruxelles, fondsmercator éditions, 2009, n°630.

Exposition : Bruxelles, Galerie Robert Finck, novembre 1960, n°41.

Peinte dans les dernières années de la vie de James Ensor, Vierge et mondaine s’inscrit dans une période de synthèse où l’artiste, désormais consacré, revisite ses thèmes fondamentaux avec une palette plus claire et une matière plus fluide.

La composition s’organise autour d’une opposition structurante : à droite, la Vierge à l’Enfant, figure du sacré ; à gauche, la « mondaine », incarnation du profane. Entre ces deux pôles se déploie l’univers familier du peintre masques, coquillages, marionnettes, crâne autant de motifs issus de la boutique maternelle d’Ostende, transposés ici en signes ambigus, à la fois ludiques et méditatifs. Ensor y poursuit sa réflexion sur l’illusion, la vanité et le théâtre social.

Héritier de la grande tradition flamande, de Frans Snijders à Adriaen van Utrecht, il renouvelle la nature morte en la chargeant d’une dimension symbolique et personnelle. Les bouquets aux associations botaniques imaginaires, les porcelaines et objets hétéroclites composent un langage visuel codé, où chaque élément participe d’un équilibre à la fois décoratif et intellectuel.

Au cœur de cette mise en scène apparaît Alexandra Daveluy, nièce et proche confidente du peintre, qui n’apparait pas sur l’autre version du tableau au musée de Bilbao (n°01/16 2001). Sa présence introduit une dimension intime essentielle. Ensor illumine en effet le haut de la toile d’un arc-en-ciel, un motif exceptionnel qu’il réserve habituellement aux scènes religieuses. C’est pour mieux souligner le rôle de celle qu’il surnomme « La Chinoise ». Elle devient alors figure de passage, presque médiatrice, entre le monde sensible et une forme d’élévation spirituelle.

Le contexte de 1933 éclaire cette œuvre d’un jour particulier. Ensor, âgé de 73 ans, est au sommet de sa reconnaissance. Le 2 août, il rencontre Albert Einstein à Coq-sur-Mer. Le peintre de la lumière et le théoricien de la lumière se font face. Cette coïncidence, au-delà de l’anecdote, résonne avec la tonalité même du tableau, traversé d’une clarté nouvelle, presque apaisée.

Car cette toile n’est pas seulement une nature morte, ni même une composition symbolique.
C’est une œuvre de bilan. Tout y est : le carnaval et le sacré, la dérision et la gravité, l’objet et le souvenir. Ensor ne juxtapose plus, il synthétise. Il simplifie sans appauvrir, il éclaire sans dissoudre. La peinture devient espace intérieur.

Restée dans l’atelier jusqu’à la mort de l’artiste, révélée seulement en 1960 avant d’être acquise en 1963, cette œuvre conserve le caractère d’un tableau à clé, longtemps gardé, presque retenu. Elle annonce les ultimes autoportraits, où Ensor se met lui-même en scène dans une lumière transfigurée. Ici, rien n’est démonstratif. Tout est suggéré. Et c’est précisément ce qui fait la force de ce peintre accompli dont la devise est :

Pro luce nobilis sum.
Je suis noble de lumière.

James Ensor (Belge, 1860-1949)
M. et Mme Albert Croquez, 1930

Crayon.
Signé, dédicacé et daté Noël 1930.

Haut. 19,6 Larg. 15,4 cm.

Provenance : ancienne collection Albert Croquez (1886-1949), avocat, ami, mécène et auteur du catalogue raisonné de l'oeuvre gravé de l'artiste.

Ensor. Interplay of perspectives. Pencil. 1930.

Archives d'Albert Corquez (Français, 1886-1949)
sur James Ensor, 1888-1960

Comprenant 1 eau-forte, 5 tirages photographiques et 9 publications souvent dédicacées :
- James Ensor, "Lisière du petit bois", 1888, eau forte signée, 7,5 x 11,8 cm.
- Portrait d'Ensor, 1921, tirage argentique dédicacé, 10 x 8 cm.
- Croquez au Mont Saint-Michel, 1926, tirage argentique, 10 x 8 cm.
- Portrait d'Ensor, 1933, tirage argentique, 13 x 8 cm.
- Ensor sur un balcon, 1930, tirage argentique, 13 x 8 cm.
- Firmin Cuypers, "James Ensor l’homme et l’œuvre", Les écrivains réunis, 1925 n°22/1000.
- Paul Desmeth, "James Ensor", Artistes de Belgique, Editeur L.J.Kryn, 1926.
- Catalogue "James Ensor", Maîtres de l’art Moderne, Editions Rieder, 1930.
- Jean Teugels, "Variations sur James Ensor", Editions l’aquarium, Ostende, 1933.
- Les écrits de James Ensor, 1934, dédicace de Vandeputte et Ensor.
- Lucien Schwob, "Ensor", Les cahiers du journal des poètes, 1936, n°301/500.
- "James Ensor", Catalogue de l’exposition organisée par la Gazette des beaux-arts, 1945, dédicace sur la couverture par l’artiste.
- "James Ensor centenary exhibition", Marlborough Fine Art, 1960.
- "James Ensor, peintre et graveur", Librairie de la société anonyme La Plume.

Provenance : ancienne collection Albert Croquez (1886-1949), avocat, ami, mécène et auteur du catalogue raisonné de l'oeuvre gravé de l'artiste.

Archives of Albert Croquez on James Ensor comprising 1 etching, 5 photographic prints and 9 publications, often signed.

Félix Ziem (Français, 1821-1911)
Promenade en gondole sous les arbres, Venise

Panneau.
Signé en bas à droite, avec envoi "A Monsieur de Selves".

Haut. 53 Larg. 65 cm.
Cadre en stuc doré. 77 x 88 cm. Accidents, manques et restaurations.

Bibliographie :
- Anne Burdin-Hellebranth, "Félix Ziem. Catalogue raisonné", t. 1, Paris, 1998, des oeuvres en rapport aux numéros 787, 809, 827 et 851.
- "Félix Ziem, Saisir la lumière", cat. exp. Paris, Petit Palais, Milan, Silvana Editoriale, 2023, une oeuvre proche p. 60.

Provenance :
- vraisemblablement offert par l'artiste à Monsieur Justin de Selves (1848-1934), préfet du département de la Seine ;
- collection particulière, Berry.

Ziem. Gondola in the Venetian Lagoon. Panel given by the artist to the Prefect of Paris.

L’association Félix Ziem représentée par David Pluskwa, Mathias Ary Jan et Gérard Fabre a confirmé l’authenticité de cette œuvre et établi un certificat qui sera communiqué à l'acquéreur.

Le 13 décembre 1905, le jeune musée des Beaux-Arts de Paris, installé au Petit Palais inaugure la salle Ziem à la suite de la donation consentie par le peintre en juin de la même année. A cette occasion, le président de la République Emile Loubet est présent, à l'instar du préfet de la Seine, Justin de Selves qui prononce ses mots élogieux à destination du peintre : "Quelle inauguration pourrait davantage inspirer les sentiments [...]. Ziem, le héros du jour, y est avec ses aquarelles, ses albums de dessin, ses études, ses esquisses et ses tableaux. Ziem, qui sur sa palette miraculeuse, a su retrouver les couleurs de l'Orient, et avec un art prestigieux, traduire la splendeur des atmosphères enflammées et des eaux incendiées de soleil [...] la magie des ombres et de la lumière sur les eaux de Venise..." (in Pierre Miquel, Félix Ziem, Maurs-la-Jolie, Ed. de la Martinelle, 1978, p. 195).

Notre tableau avec son envoi à Monsieur de Selves a vraisemblablement été offert par Ziem à ce moment. Il illustre parfaitement de travail de l'artiste en s'attachant à représenter la navigation la plus emblématique de la Sérénissime : une gondole. S'abstenant de toute représentation architecturée, Ziem s'échappe ici de l'art des védutistes, pour transcrire la poésie du soleil se couchant sur la lagune vénitienne.

B.L.

Vlaho Bukovac (Autrichien, 1855-1922)
"Fantaisie (tête de genre)", c. 1892

Toile.
Signée "P. Andrez".
Titrée et n°1 sur une étiquette au verso.

Haut. 40,8 Larg. 32,6 cm.
Cadre en bois stuqué et doré.

Provenance : collection particulière, Sarthe.

Bukovac. Fantasy (reference pose). Canvas. c. 1892.

Né sur la côte Dalmate, Biagio Faggioni découvre la peinture à San Francisco aux Etats-Unis, avant de l'étudier dans l'atelier de Cabanel à Paris. Il prend alors le surnom de Bukovac, version croate de son nom de famille italien signifiant "hêtre". Il expose au Salon des artistes français de 1878 à 1887 puis à l'Exposition universelle de 1889. Il présente à nouveau à Paris en 1892 deux oeuvres sous le pseudonyme de Paul Andrez, dont une "Fantaisie" (n°16) non identifiée aujourd'hui. Le modèle de notre "Fantaisie" pose nue, se reposant, sous le pinceau de l'artiste en 1892 (Vente à Londres, Bonhams, 21 septembre 2022, n°45). Voyageant à travers l'Europe, Bukovac devient le peintre et le portraitiste des cours de Serbie et du Monténégro. Il réalise le rideau de scène du Théâtre national croate à Zagreb, avant de s'établir à Prague où il enseigne à l'Académie des Beaux-Arts. Il est considéré comme le premier peintre originaire de l'ancienne Yougoslavie dont la renommée ait franchi les frontières de son pays.

Christof Fidelis Kimmel (Autrichien, 1792 1869)
etelica, 1852
dite aussi : La Glaneuse

Zinc cuivré.
Signé et daté.

Haut. 171 cm.

Kimmel. etelica, Copper-plated zinc. 1852.

Christof Fidelis Kimmel est un sculpteur autrichien né en 1792 à Bruxelles, mort le 23 août 1869 à Ljubljana. Il se forme puis travaille à Vienne. En 1834, il participe avec le sculpteur autrichien Josef Klieber à la réalisation du relief en marbre de Carrare pour le monument dédié à Andreas Hofer dans l’église impériale d’Innsbruck. A l’occasion de la rénovation de l’église viennoise Notre-Dame-du-Rivage en 1846, il exécute le groupe de la Sainte Trinité du maître-autel. En septembre 1858 à l’exposition mensuelle de l’association artistique de Vienne, il expose une statuette de l’Immaculée Conception en grès. Pour la même organisation, il expose en février 1859 une statue en gypse H. Elisabeth dont il existe 12 copies. A la demande de la famille de Rothschild, il réalise un groupe statuaire en pierre pour la fontaine de Neptune de l’ancien parc Rothschild de Schillersdorf, encore visible in situ dans le Schlosspark de Schillersdorf en République Tchèque. En 1867, il s’installe à Ljubljana chez son gendre, le peintre F. Fröhlich.

Une version de cette Glaneuse est érigée dans le parc Topcider à Belgrade dans la seconde moitié du XIXe siècle. Elle constitue le premier exemple de sculpture décorative urbaine à Belgrade. Certainement fondue à Vienne, comme la version serbe, notre glaneuse en zinc a été cuivrée grâce au procédé de cuivrage électrolytique inventé au milieu du siècle. Cette paysanne idéalisée aux cheveux pudiquement voilés tient dans ses bras une gerbe de blé, évoquant l’abondance et les figures allégoriques liées à la moisson telles Cérès ou Déméter. Son pied gauche est posé sur une gerbe de blé dans un contrapposto classicisant, attitude typique de la sculpture académique. Son visage possède les traits des Vénus grecques : nez droit, yeux en amande, commissure des lèvres légèrement marquée, petite bouche Le menton ovale remonte légèrement vers le haut et le modelé des joues est doux. Avec son habit à l’Antique et son épaule nue, ces éléments confèrent à notre figure une intemporalité mythologique.

André Bauchant (Français, 1873-1958)
Conversation de trois jeunes filles, 1954

Toile.
Signée en bas à gauche et datée.

Haut. 43 Larg. 50 cm.

Provenance :
- collection Robert Milliat, conservateur des Monuments historiques et bâtiments de France à Tours,
par descendance :
- 25e vente Garden Party, Me Rouillac, château de Cheverny, 9 juin 2013, n°23 ;
- collection particulière, Paris.

André Bauchant. Conversation of three girls. Signed canvas, dated 1954.

Bibliographie :
- "André Bauchant, peintre de la Touraine", cat. de l'exposition à l'Hôtel de ville de Château-Renault, 1998, n°27.
- "André Bauchant, cinquantenaire de son décès", cat. de l'exposition au Pavillon Charles X, Saint-Cyr-sur-Loire, 2010.
- Alain Troadec, Pierre Cabane, Bertrand Lorquin, "André Bauchant catalogue raisonné", Paris, Dina Vierny, Bern, Benteli Verlags, 2005, p. 535, n°54-28.

Jean Dufy (Français, 1888-1964)
Le cirque, 1960

Gouache.
Signée et datée, dédicacée "à Jean-Jacques".

Haut. 14,5 Larg. 20 cm.
Cadre. 41,5 x 47,5 cm.

Provenance : offert par l'artiste à un jeune admirateur tourangeau ; collection particulière, Tours.

Jean Dufy. The Circus. Signed gouache, dated 1960.

Les années folles sont une période de créativité intense pour Dufy, qui réalise le décor de la comédie Le boeuf sur le toit et immortalise les frères Fratellini dans une série éblouissantes de toiles sur le thème du Cirque en 1927. Attaché au Sud Touraine natal de son épouse, Dufy s'installe à La Boissière, à Boussay, en 1948. Il multiplie alors les expéditions à travers l'Europe, réinterrogeant ses thèmes de prédilection. Une série de gouaches d'une virtuosité mature éclaire l'années 1960. D'une grande fraicheur, ce dessin inédit figurant un orchestre de clowns sur la piste aux étoiles a été offert au fils d'amis tourangeaux des Dufy, et n'a pas quitté sa famille depuis.

Ivan Iakovlevich Bilibine (Russe, 1876-1942)
Les Mille et Une Nuits, 1931-1932

Quatre lithographies éditées par Fernand Nathan.
1, Le tapis volant, 1931
2, Sinbad le marin, 1932
3, Ali Baba et les quarante voleurs, 1932
4, Aladin et la lampe magique,1932

Haut. 36 Larg. 94 cm.
Bel état de fraicheur, légères pliures dans les marges.
Cadres baguettes noirs.

Provenance : collection particulière, Tours.

Bilibin. Four lithograph prints of The Arabian Nights, published by Nathan in 1931-1932.

Peintre, décorateur de théâtre et illustrateur, Ivan Bilibine suit une formation de dessin auprès de Répine avant de voyager à travers l'Empire russe pour illustrer de nombreux contes oraux du foklore slave. Il illustre aussi des contes orientaux, mis en lumière par le compositeur Nikolai Rimski-Korsakov à travers son chef-d'oeuvre Shérazade. Après la Révolution de 1917, Bilibine émigre à Paris où il réalise des illustrations pour de nombreux ouvrages tels que Le Tapis volant de Marguerite Reynier en 1935. Il adapte alors les aventures des Mille et Une Nuits et reprend ces compositions, également éditées par Nathan.

Frank-Will (Français, 1900-1951)
Saint-Pierre des Marins dans le port de Fécamp, c. 1922

Toile.
Signée en bas à droite.

Haut. 150 Larg. 170 cm.
Restauration.
Cadre mouluré en bois teinté noir. 170 x 189 cm.

Provenance : collection particulière, Neuilly-sur-Seine.

Frank Will. Saint-Pierre-des-Marins ceremony in the port of Fécamp. Canvas, circa 1922.

Cette grande toile est l'acte d'émancipation d'un jeune artiste d'à peine 22 ans, Frank William Boggs, qui vient tout juste de prendre le nom de Frank Will pour se distinguer de celui de son père également peintre. Cette année 1922, il arpente la Normandie et pose son chevalet dans le port de Fécamp, où le premier dimanche du mois de février est célébré la Saint-Pierre des Marins, aussi appelée « Le Grand Pardon des Terre-Neuvas ». Pour l'occasion, les trois-mâts terre-neuvier, qui partent en mer pour de longs mois de pêche à la morue, arborent tous leurs pavillons. Ils reposent fièrement dans ce bassin où les chalutiers à vapeur commencent à les remplacer. La veille, la conférence des capitaines s'est tenue au syndicat des armateurs. Le matin même, les couleurs ont été hissées devant l'hôtel de ville et la fanfare de la Lyre maritime a conduit le défilé à travers la ville. Le tableau est peint pendant la messe à l'église Saint-Etienne, qui ferme le point de fuite de la composition. Elle est notamment célébrée pour les marins disparus en mer ; une quête est organisée pour leurs familles. Bientôt les cloches vont sonner, la procession gagnera les quais et le bateau pilote conduira l'évêque bénir chacun des Terres-Neuves et leurs équipages. De dimensions monumentales et parfaitement restaurée, cette toile est l'acte de bravoure d'un jeune peintre qui rend hommage à sa façon à la bravoure de jeunes marins fendant la mer et les flots.

Francis Picabia (Français, 1879-1953)
Transparence, c. 1932-1933
Sans-titre

Crayon, fusain et encre sur papier.
Signé au crayon.

Haut. 35,6 Larg. 30,5 cm.

Provenance : collection Bénédicte Joannon (1908-1999), Rhone, par descendance familiale.

Picabia. Transparence. Pencil, charcoal and ink on paper. c. 1932-1933.

Certificat du comité Picabia.

LES TRANSPARENCES DE PICABIA

Les Transparences sont certaines des œuvres les plus emblématiques d’un artiste qui se présentait comme « peintre en tous genres » et qui mit un point d’honneur tout au long de sa vie à ne jamais se laisser enfermer dans un style, dans un genre, par un groupe ou par un marchand. Réalisées entre 1927 et 1932, les Transparences illustrent la rupture de Picabia avec le mouvement Dada qu’il avait porté. Le terme apparait pour la première fois lors d’une exposition à la galerie de Théophile Briant en octobre 1928. La superposition de plusieurs images prenant comme point de départ des figures classiques de Botticelli ou de Piero della Francesca, s’inspirant de la Bible ou de la mythologie, associant l’Antiquité et l’époque moderne, dans un univers onirique fait dire à Marcel Duchamp qu’elles « expriment la sensation de la troisième dimension sans l’aide de la perspective ». Léonce Rosenberge lui écrit : "Les transparences sont l’association entre le visible et l’invisible. C’est cette notion du temps, ajoutée à celle de l’espace, qui constitue précisément la doctrine de votre art. Au-delà de l’instantanéité, vers l’infini, tel est votre idéal."

A la fin de l’année 1929, alors qu’il débute son travail sur Judith, Picabia change de source d’inspiration et se plonge dans le recueil de photographies de Peter Landow, Natur und Kultur : Das Weib, 120 Aufnahmen, publié à Berlin en 1925. Ces photos, qui reprennent dans leurs légendes l’origine des femmes représentées ainsi que les indications du photographe, fascinent l’artiste "qui cherche à restituer les poses et les mises en lumière théâtrales de ces modèles dans nombre de ses œuvres" (Francis Picabia catalogue raisonné, t. III, Fonds Mercator, p. 59). Picabia ne se contente naturellement pas d’une reproduction servile de la photographie mais la détourne au service de son oeuvre. Jouant avec l’androgynie des modèles, une femme suédoise au corps athlétique devient alors un homme. Ici, la pose du modèle à droite de la composition rappelle celle d’une australienne sur la planche 21 de Landow. Découvert caché derrière une toile du prix de Rome 1907, Marcel Féguide, ce dessin était conservé dans la succession de Bénédicte Joannon (1908-1999), mélomane et fille d’un industriel et homme politique de la Loire. Elle a été datée très précisément des années 1932-1933 par le comité Picabia. C’est une nouvelle fois une période de rupture pour Picabia : rupture amoureuse d’abord puisque débute sa relation avec Olga qui sera son ultime épouse, rupture artistique enfin avec la mise en place d’une peinture figurative, qui ouvrira plus tard les portes du Pop Art.

Aymeric Rouillac et Brice Langlois

Georges Rouault (Français, 1871-1958)
Arlequin (harmonie rose), c.1948-1952

Toile.
Cachet de l'atelier au dos de la toile.

Haut. 40,7 Larg. 31,8 cm.
Cadre rose.

Provenance : collection particulière, Arcachon.

Georges Rouault. A painting of Harlequin. Canvas, ca.1948-1952.

Avis d'inclusion au catalogue complet des oeuvres de Georges Rouault, par Jean-Yves Rouault, président de la Fondation Rouault en date du 5 décembre 2013.
Art Loss Register, Londres, 8 avril 2024, n°S00243384.

Bibliographie : Olivier Nouaille et Olivier Rouault, Rouault l'oeuvre peint, Paris, Fondation Georges Rouault, 2021, reproduit p. 299 au n°4427-3185.

Réalisé par Georges Rouault à l’aune de la dernière partie de son œuvre, entre 1948 et 1952, Arlequin (harmonie rose) est à envisager comme une synthèse des réflexions de l'artiste, qui poursuit un thème qui lui est cher en adoucissant son vocabulaire esthétique.

LES DERNIERS ARLEQUINS DE ROUAULT

Peintre inclassable, n’appartenant à aucun mouvement, Rouault propose sa réalité, sans retranscrire la vérité, préférant « tourner le dos à la nature », comme le rappelle André Suarès. Il se distingue en ce sens de ses prédécesseurs du XIXe siècle, tels qu’Honoré Daumier, Edgar Degas ou Henri de Toulouse-Lautrec, qui se sont illustrés dans les représentations circassiennes. Avec son cadrage serré, ne laissant apercevoir que la partie supérieure du buste d’Arlequin, cette œuvre s’inscrit dans le corpus des toiles réalisées à la charnière des décennies 1940 et 1950 (voir Olivier Nouaille et Olivier Rouault, op.cit., p. 299). L’artiste joue de variations dans la figuration des émotions. Ici méditatif avec un sourire à peine esquissé, Arlequin peut être aussi profondément joyeux, comme dans le tableau de 1947 (reproduit in Pierre Courthion, Georges Rouault, Paris, Flammarion, 1962, p. 281). Il ne transmet pas une « tristesse infinie », à l’inverse des toiles du début du XXe siècle, mais partage l’apaisement de son auteur. Arlequin (harmonie rose) trahit un adoucissement des tonalités du peintre et prône une matière épaisse. Il préfigure les tableaux du crépuscule de la carrière de Rouault, dans lesquels la frontière entre peinture et sculpture tend à s’amenuiser.

Georges Rouault travaille inlassablement sur la figuration des personnages du cirque et de la Commedia dell’arte, depuis les années 1902-1903. Ce tableau est l’un des derniers maillons de ses recherches menées sur Arlequin, après ses nombreuses représentations, notamment dans Divertissement, paru en 1943. « J’ai vu clairement que le « Pitre » c’était moi, c’était nous presque nous tous » écrit Georges Rouault à l’écrivain et philosophe Edouard Schuré en 1905. Ces personnages burlesques fournissent à l’artiste un support de méditation sur ses contemporains, sur le monde qui l’entoure et sur sa propre existence. « Il ne cherche pas simplement un moyen de traduire des préoccupations plastiques ou formelles sur la couleur et le mouvement, mais bien plus la possibilité d’exprimer tout ce qu’il peut y avoir de vie cachée derrière le maquillage, la poudre, les paillettes » (Danielle Molinari, Georges Rouault catalogue raisonné, Paris, Musée d’Art Moderne de la ville de Paris, 1983, p. 31). Arlequin est ainsi le support d’une introspection.

Brice Langlois

Jean-Jacques Flatters (Français, 1786-1845)
Le général Claparède, 1827

Bronze.
Signé et daté.
Titré : "Le Comte Michel Claparède Lieutenant Général Pair de France."
Inscrit : "Fondu par Fs Charnod et son fils 1857 à Montrouge près Paris."

Haut. 83 Larg. 60 cm.

Joint : socle vitrine de présentation en placage d'acajou et dessus de marbre. Haut. 138,5, Larg. 45 Prof.45 cm. Accidents et manques.

Bronze bust of General Claparède by Flatters in 1827 and cast in 1857, preserved in the family.

Provenance : descendance directe du comte Michel Claparède (1770-1842), général français de la Révolution et de l’Empire, comte d'Empire en 1808 puis pair de France en 1819 ; collection particulière, Charente.

Oeuvre en rapport : une étude en plâtre à l'antique pour ce buste, signée et datée "Flatters fait a vivo en 1817", vendue le 9 décembre 2018 à Fontainebleau, Me Osenat, n°274.

Né le 28 août 1770, à Gignac, Michel Marie Claparède (1770-1842) est élu capitaine aux volontaires de l'Hérault en 1793. Il participe à la répression dans l'Ouest. En novembre 1798, il est à l'armée d'Italie, commandant des places de Milan, Plaisance, Gênes. Moreau le fait chef de bataillon, et l'emmène à l'armée du Rhin, où il est responsable des services de renseignements. Il participe à l'expédition de Saint-Domingue avec Leclerc, en revient en 1804 avec le grade de général de brigade. Il repart en 1805 pour conquérir la Dominique. Puis il est dans la Grande Armée, notamment à Austerlitz, où il défend la position du Santon, mais aussi à Iéna l'année d'après. Il est créé comte de l'Empire et nommé général de division en 1808. Gouverneur de Valladolid en Espagne, il rejoint la Grande Armée sur le Danube. Il est blessé à Ebersberg, où il conduit un combat héroïque. 1810 le renvoit en Espagne, pour en repartir en 1812 pour la Russie, où il participe à toutes les batailles, notamment à la Berezina, où il est à nouveau blessé. Fait prisonnier à la capitulation de Dresde en novembre 1813, il ne participe pas aux Cent-Jours. Il sera inspecteur général de l'infanterie de Louis XVIII et pair de France en 1819. Il meurt à Montpellier le 23 octobre 1842.

Arnaud de Gouvion Saint-Cyr

Nicolas Taunay (Français, 1755-1830)
Le général Claparède à la bataille d’Ebersberg le 3 mai 1809

Esquisse à l’huile marouflée sur toile.

Haut. 45 Larg. 61 cm.
Accidents, restaurations et manques.
Cadre doré à décor de feuilles d’acanthe avec un cartouche « EBERSBERG TAUNAY ».

Provenance : descendance directe du comte Michel Claparède (1770-1842), général français de la Révolution et de l’Empire, comte d'Empire en 1808 puis pair de France en 1819 ; collection particulière, Charente.

Taunay. Oil sketch on canvas of the Battle of Ebersberg, preserved in the family of General Claparède. 1809.

La bataille d’Ebersberg, le 3 mai 1809, met aux prises le maréchal Masséna avec l’arrière garde autrichienne du général Hiller. La division Claparède, au cœur d’une manœuvre d’encerclement, se retrouve isolée face à des forces ennemies très nettement supérieures. Après avoir subi de fortes pertes, elle résiste et prend finalement d’assaut le château et la ville d’Ebelsberg qui tomberont aux mains des Français, ouvrant la voie vers Vienne. Commandé à Taunay dès le 8 juillet 1809, avant d'être exposé au Salon de 1810, le tableau final de la bataille d’Ebersberg est installé au Grand Trianon dans le grand cabinet travail de l'Empereur en 1811. Il est, depuis 1834, dans les galeries historiques puis dans l'aile du Midi du château de Versailles (MV1562).

Glaive de dignitaire ou de Pair de France du général Claparède.

Fusée à deux plaquettes de nacre unie, ornée sur l’avant d’un motif en vermeil à motif de rinceaux palmettes et sphinge.
Côtés de la fusée orné d’une plaque d’entrelacs en laiton doré (manque une).
Monture en laiton ciselé et doré. Pommeau au casque à grille empanaché. Croisière à deux quillons à décor feuillagés finissant par un profil d’homme à corne de bouc et profil de divinité. Nœud de corps au visage d’une divinité dans une couronne de palme.
Lame à méplat médian gravée, dorée et bleuie au tiers, signée au talon "K&S à Solingen.
Fourreau recouvert de galuchat blanc (usures) à chappe en laiton doré à décor amati, de frises de feuillages et toile d’araignée.

Bouterole à décor en suite et feuilles d’eau. Dard symétrique arrondi.
Avec la dragonne de général de division en fil d’argent doré, cordon en résille, gland orné de trois étoiles en paillettes d’argent sur deux faces à grosses franges.

Epoque Restauration.

Long. 93,4 cm.
A.B.E. Un quillon réparé par soudure, l’autre fêlé.

Provenance : descendance directe du comte Michel Claparède (1770-1842), général français de la Révolution et de l’Empire, comte d'Empire en 1808 puis pair de France en 1819 ; collection particulière, Charente.

Dignitary sword of General Claparède, Bourbon Restoration period. Bluish blade, mother-of-pearl and brass grip, shagreen scabbard.

Le duc de Bordeaux au général Claparède

Cadre contenant trois souvenirs :
- Lettre autographe du Duc de Bordeaux, âgé de 7 ans, adressée au général Claparède : « mon général, Lavilatte desiroit savoir le résultat des démarches que vous avez bien voulu faire pour lui, je souhaite qu’elles soyent favorables. Henry ce 30 Xbre 1827 » 17 x. 15 cm.
- Lettre autographe signée du comte de Maupas : « Monseigneur me charge, mon Général, de vous envoyer le dessin qu’il a fait hier soir pour vous et qu’il vous donne avec plaisir. Je saisis cette occasion pour vous renouveler tous mes remerciements de toutes vos bontés pour moi et vous assurer, mon bon Général, de mon entier dévouement et de mon respectueux attachement. Cte de Maupas. Pavillon de Marsan ce 12 janvier 1828. » 13,5 x 11 cm.
- Enveloppe adressée à Madame Lafontan Paris, avec inscription « Lettre du duc de Bordeaux et de Mr le comte de Maupas février 1828, écrite au général Claparède Pair de France ». 8 x 14 cm.

Cadre : Haut. 40 Larg. 45 cm.
B.E.

Provenance : descendance directe du comte Michel Claparède (1770-1842), général français de la Révolution et de l’Empire, comte d'Empire en 1808 puis pair de France en 1819 ; collection particulière, Charente.

Three handwritten recollections linking the Duke of Bordeaux to General Claparède, preserved in the family.

Joseph de Lavilatte (1780-1858), officier de la garde royale, devint le précepteur militaire de Henri Charles Ferdinand Marie Dieudonné d'Artois, duc de Bordeaux (1820-1883). Auguste Marie de Maupas (1786-1862), seconda le Marquis de Rivière dans son rôle de gouverneur du duc de Bordeaux. Une solide amitié se noua entre l’officier, vétéran des guerres napoléoniennes, et l’enfant royal, plus connu sous son titre de courtoisie de comte de Chambord

France, Ordre de Saint-Louis
Plaque métallique de grand-croix ayant appartenue au général Claparède

Vermeil.
Quatre branches doubles à pointes boulées (manques une), à l’imitation des plaques brodées, intercalées de fleurs de lys.
Le centre uni, en plusieurs parties, à bordure rocaille, orné d’un motif émaillé représentant Saint Louis en manteau bleu et doublure d’hermine (petits éclats)
Revers à deux crochets latéraux (un anciennement refixé) et attache en acier du type Biennais, à lame
ressort en acier bleui.

Poinçon tête de lièvre sur une pointe.
Fabrication attribuée à l’orfèvre Coudray, vers 1819-1830.

Haut. 97 mm.
Poids brut : 80 g
TTB.

Provenance : descendance directe du comte Michel Claparède (1770-1842), général français de la Révolution et de l’Empire, comte d'Empire en 1808 puis pair de France en 1819 ; collection particulière, Charente.

Vermeil Grand Cross plaque of the Order of Saint Louis belonging to General Claparède, preserved in his family.

Le général est fait grand-croix de l’ordre de Saint-Louis le 17 août 1826.

France, Ordre de la Légion d'Honneur
Plaque à l’imitation des plaques d’habit des grands-croix de la Restauration.

Fonte d’argent.
Les branches à l’imitation des plaques en canetille.
Centre en plusieurs parties au profil d’Henri IV.

Diam. 105 mm.
Revers avec deux pattes de fixation.
A.B.E. Fabrication postérieure de la fin du XIXe siècle.

Provenance : descendance directe du comte Michel Claparède (1770-1842), général français de la Révolution et de l’Empire, comte d'Empire en 1808 puis pair de France en 1819 ; collection particulière, Charente.

Silver replacement plaque of the Legion of Honour Grand Cross, preserved in the family of General Claparède.

Le général Claparède est fait grand-croix de l’ordre de la Légion d’honneur le 17 janvier 1815.

Jean-Henri Riesener (Franco-Allemand, 1734-1806)
Console desserte à trois niveaux, c.1785

Acajou, bronze doré et placage d'acajou sur bâti de chêne.
Le plateau supérieur en marbre bleu turquin à ressaut est mouluré.
La ceinture ouvre par trois tiroirs, dont deux en aile de papillon sur les côtés. Elle repose sur quatre montants en pilastres cannelés à décor de pointes d'asperges.
Ils sont réunis par deux tablettes d'entretoise. La première, plaquée d'acajou, est ceinte d'une lingotière. La seconde, recouverte d'un marbre bleu turquin, est ceinte d'une galerie ajourée.
Quatre pieds en gaines terminés par des sabots la supportent.
Ornementations en bronze doré pour les poignées de tirage, dés de raccordement, lingotières, encadrements de tiroirs, galeries, pointes d'asperges et pour les sabots.

Estampillée trois fois "J. H. Riesener" sur les montants.
Epoque Louis XVI.

Haut. 97 Long. 134 Prof. 53 cm.
Petits accidents et restaurations.

Provenance : collection de René Guigues de Moreton Marquis de Chabrillan (1886-1938), château de Neuville-sur-Oise ; par descendance familiale, Touraine.

Mahogany, marble and gilt bronze 3-tier dessert console table by Riesener, similar to one supplied for the Queen at the Petit Trianon in 1785.

Oeuvre en rapport : une console proche livrée en 1785 pour la salle à manger de Marie-Antoinette au Hameau du Petit-Trianon est conservée au château de Versailles (n°V4783).

Avec Boulle, Riesener est le seul ébéniste de l'Ancien Régime dont le nom n'a jamais cessé d'être prononcé. Né en Westphalie en 1734, il émigre à Paris, s'installe au faubourg Saint-Antoine et intègre l'atelier de Jean-François Oeben, dont il prend la direction à sa mort avant d'accéder à la maîtrise en 1768. En 1769, l'achèvement du bureau du roi lui ouvre les portes de la Couronne. Nommé ébéniste du roi entre 1774 et 1784, son atelier pouvait livrer plus de 70 meubles par an, tant pour la Couronne que pour des cours étrangères ou des collectionneurs privés : la commode de Louis XVI en 1775 (musée Condé, Chantilly, OA246), l'armoire à bijoux de la comtesse de Provence en 1780 (The Royal Collection, Windsor Castle), des dizaines de pièces dont la qualité d'exécution et la somptuosité des bronzes restent sans équivalent. En 1784, le nouvel intendant Thierry de Villes d'Avray juge ses prix prohibitifs et met fin à sa mission officielle.

Toutefois, il continue de travailler pour la famille royale, notamment en tant qu’ébéniste favori de la Reine Marie-Antoinette, qui le paye sur sa cassette personnelle. C'est dans ce contexte que s'inscrit notre console. Sa sœur la plus proche est livrée vers 1785 pour la salle à manger du Hameau du Petit-Trianon. Elle est aujourd'hui conservée au château de Versailles (Versailles, V4783). Même époque, même commande privée, même registre : celui des meubles dits « de service » que Riesener produit à partir des années 1780 en réponse à une demande vers plus de sobriété. Le décor de marqueterie cède la place à de grands panneaux en acajou de Saint-Domingue, soulignés de baguettes de bronze doré, dans un goût dit « à l'étrusque » que l'on retrouve notamment sur le secrétaire conservé au Getty Museum (Miami, 71.DA.104). Les bronzes dorés se concentrent aux points essentiels, mais leur qualité d'exécution reste celle des grands ouvrages de commande royale, laissant apparaitre la "qualité Riesener".

Car Riesener est moins un artisan qu'un chef d'orchestre. Son portrait par Antoine Vestier est éloquent (Versailles, MV8136) : plutôt que de se faire représenter muni d'outils, il tient une plume devant des documents. Il conçoit, dessine, coordonne, confiant l'exécution aux meilleurs spécialistes de sa génération : RVLC, Delosse ou Weisweiler pour les boiseries, les frères Damerat et François Rémond pour les bronzes. Il conserve la maîtrise de ses modèles, qu'il réutilise avec une cohérence rigoureuse d'une composition à l'autre. La galerie ajourée et les poignées de tirage de cette console se retrouvent sur la console-desserte de Versailles et sur un secrétaire à cylindre de la Wallace Collection (Londres, F 277) ; les appliques font écho au secrétaire en armoire de la Frick Collection vers 1780 (New York, 1915.5.75), dont les premières formes apparaissent sur la commode de Fontanieu au musée Condé (Chantilly, OA245).

Notre console se distingue pourtant de celle de Versailles par son étage intermédiaire et par l'importance accordée aux bronzes dorés qui en constituent le principal ornement. Cette organisation à trois niveaux, que nous n'avons retrouvé sur aucune autre console comparable, y compris dans les livraisons royales, en fait une pièce singulière. Elle fut conservée dans la collection du marquis de Chabrillan au château de Neuville-sur-Oise, avant de passer par descendance en Touraine. Estampillées trois fois sur les montants : la Reine l'aurait reconu et aimé même sans !

Nicolas Clery

D'après un modèle attribué à François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter (Français, 1770-1841)
Fût de fauteuil de bureau

Acajou mouluré et sculpté et placage d'acajou.
Le dossier renversé se prolonge par des accotoirs au sceptre du pharaon Thoutmosis III. Les pieds antérieurs à têtes de lionne, jarrets et griffes. Les pieds postérieurs sabres.
Roulettes.

Epoque Empire.

Haut. 96 Larg. 54 Prof. 54 cm.
Restaurations, renforts et une traverse changée.

Provenance :
- galerie de Cicco, Monaco ;
- collection particulière, Belgique.

Empire-period carved mahogany desk chair framework after a model by Jacob-Desmalter, from a design by Percier and Fontaine.

Oeuvres en rapport :
- Un fauteuil proche attribué à François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter, vente Artcurial, 9 octobre 2013, n°18.
- Un fauteuil doté de pieds similaires, estampillé Jacob D./rue Meslée, vente Sotheby's 20 septembre 2016 n°24.

Bibliographie : Pierre Arizzoli-Clémentel, Jean-Pierre Samoyault, Le Mobilier de Versailles chefs-d'oeuvre du XIXe siècle, Dijon, Faton, 2009, un fauteuil aux pieds antérieurs proches dont le dessin aurait été proposé par Charles Percier et Pierre-Léonard Fontaine reproduit p. 234-235.

Lustre montgolfière

Cristal, bronze et métal.
Le fût torsadé est surmonté d'une petite couronne à couteaux et tulipe. Il est inscrit dans une cage à pampilles.

Style Louis XVI.

Haut. 105 Diam. 43 cm.
Accidents, manques et restaurations, monté à l'électricité.

Provenance : collection particulière, Gènes.

Crystal, bronze and metal hot-air balloon chandelier, from a Genoese collection.

Ecole française du début du XIXe siècle
Portrait du Général Mouton-Duvernet en uniforme de général de division, portant les ordres de la Légion d’honneur et de la Couronne de Fer

Miniature ronde sur ivoire.
Diam : 55 mm.

Sur une tabatière ronde en placage de loupe d'orme doublée d’écaille.
Haut. 27 Diam. 84,4 mm.
A.B.E. Petits accidents.

Provenance : collection d'un château du Limousin.

Ivory miniature of General Mouton Duvernet, early 19th century.

Œuvre en rapport : cette miniature sera reprise en gravure par Forestier et par Giraud. Les tableaux représentant le général sont d'exécution postérieure à l’Empire, bien identifiables par le port en sautoir de l’insigne de commandeur de la Légion d’honneur, contrairement à notre représentation.

Régis Barthélemy, baron Mouton-Duvernet (1769-1816) servit en Espagne (1808-1812), en Allemagne (1809) et fut fait prisonnier à Dresde (1813). Rallié à Napoléon aux Cent-Jours, il proposa, après Waterloo, la reconnaissance du roi de Rome et s’opposa au retour des Bourbons. Proscrit à la seconde Restauration, il se constitua prisonnier et fut fusillé.

CITES - Objet composé d'ivoire d'elephantidae spp.
Conformément aux dispositions de la réglementation en vigueur sur le territoire de l'Union (Règlement (UE) n° 2021/2280 du 16/12/21), l'objet sera délivré à l'acquéreur avec son Certificat Intracommunautaire n° FR2602801333-K en date du 04/03/2026.
En cas de sortie du territoire européen, un certificat de réexportation, à la charge de l'acquéreur, sera nécessaire. Ce dernier doit également se renseigner au préalable sur la législation en vigueur dans le pays de destination.

Fauteuil Voltaire du château d'Eu

Acajou et placage d'acajou.
Dossier renversé, les accotoirs à manchettes reposant sur des supports en bateau. Les pieds antérieurs fuselés et cannelés sont terminés par des roulettes. Les pieds postérieurs sabres.
Marque au feu du château d'Eu et numérotation d'inventaire à l'encre "5666".

Epoque Louis-Philippe.
Garniture de velours vert.

Haut. 100 Larg. 81 Prof. 60 cm.
(restaurations, roulettes rapportées)

Provenance : collection vendômoise.

Mahogany veneer Voltaire armchair from Château d'Eu.

Nous remercions M. Alban Duparc, attaché de conservation du musée Louis-Philippe qui nous a aimablement indiqué que la numérotation de ce fauteuil indique un provenance probable des dépendance du château d'Eu.

Table-lit de voyage ou d'officier

Acajou et placage d'acajou.
Bâti de chêne, boutons poussoirs et charnières en laiton.
Le plateau dévoile un sommier escamotable en acier avec tête et pied de lit déployant. Il repose sur quatre pieds fuselés et bagués terminés par des roulettes.

Travail du XIXe siècle dans l'esprit victorien.

Repliée : Haut. 77 Long.118 Prof. 88,5 cm.
Dépliée : Haut. 93,5 Long. 205 Prof. 102 cm.
Oxydations, taches et petits accidents.

Provenance : château du Vendômois.

Mahogany veneer travel or officer’s bed tray table. 19th century.

Cette table intrigante par sa double destination s'inscrit dans la tradition des meubles à transformation, dont l'un des plus illustres exemples est la "table à la Bourgogne" destinée au petit fils handicapé de Louis XV. Ce meuble combinait alors différentes fonctions afin de faciliter la vie du jeune malade. Il s'agit probablement ici d'un meuble de voyage, destiné à un client relativement fortuné compte tenu de son placage d'acajou et de ses ferrures de laiton. La fonction combinée de table et de lit permettait de réduire le nombre de bagages pour les transports. Ce type de meubles est très en vogue pendant la période Victorienne, notamment en Amérique du Nord, où ils sont portés par des fabricants tels que "A.H. Andrews & Co". Un lit escamotable pouvant se transformer en bureaux ou en piano est même surnommé "Lit Murphy" du nom de son inventeur. Fonction de repos et utilitaire sont astucieusement combinées pour s'adapter aux intérieurs de la Révolution Industrielle, avec des meubles mécaniques palliant les besoins des différents usages d'une même pièce au cours de la journée.

N.C.

Mobilier de Salon
Comprenant dix fauteuils et deux canapés

Acajou et placage d'acajou.
Les fauteuils à dossier légèrement renversé, accotoirs en crosses, pieds antérieurs en jarrets et postérieurs en sabre.
Les canapés au modèle des fauteuils.

Epoque Restauration.
Garniture en soie à décor d'amphores ou de fleurs dorées sur fond rouge postérieures pour les chaises et les fauteuils. Usures.

Fauteuils : Haut. 92 Larg. 60 Prof. 49 cm.
Canapés : Haut. 94 Long. 194 Prof. 62 cm.

Provenance : collection particulière, Vendômois.

Mahogany veneer suite of 10 armchairs and 2 sofas, Bourbon Restoration period.

Miroir à parcloses et fronton au char de Cérès

Bois mouluré, sculpté et doré.
Riche décor de coquilles, rinceaux, acanthes, cartouches, frises de perles et fleurs.
Le fronton surmonté de la figure de Cérès sur son char tiré par deux dragons.

Epoque Louis XV.

Haut. 195,5 Larg. 109 cm.
(accidents et restaurations)

Provenance : collection particulière, Vendômois.

Louis XV pedimented parclose (or cushion) mirror, with the chariot of Ceres.

Partie de salon
Comprenant six chaises et un guéridon

Acajou et placage d'acajou.
Les chaises à dossier cabriolet sont sommées d'un léger enroulement. Elles reposent sur des pieds en sabre.
Le guéridon de forme circulaire, repose sur un fut hexagonal supporté par un piètement tripode à décor de volutes et coquilles terminés par trois pieds léonins. Plateau de marbre gris Saint Anne mouluré.

Epoque Restauration.

Guéridon : Haut 74,5 Diam. 96,5 cm
Chaises : Haut. 78,5 Larg. 48,5 Prof. 42 cm.

Provenance : collection particulière, Vendômois.

Six chairs and a pedestal table, mahogany and veneer, Bourbon Restoration period.

Ecole française du XIXe siècle
Intérieur de maison de campagne, 1843

Toile
Datée et monogrammée en bas à droite à la hampe du pinceau: 'mai 1843 ch DS'

Haut. 19 Larg. 24,5 cm.
Cadre à cannelures et feuilles d'acanthes aux écoinçons, 32 x 37 cm.

Provenance : collection Jaques Guérin (1880-1962) conservateur en chef du musée des Arts Décoratifs et du Musée Nissim de Camondo, Paris. Sa descendance.

ENG 19th-century school. Interior of a country house. Oil on canvas.

Antoine Rivoulon (Français, 1810-1864)
Deux jeunes filles dans une mansarde, 1849

Panneau.
Signé en bas au centre 'ARivoulon' et daté.

Haut. 32,5 cm Larg. 40 cm.
Cadre en chêne et stuc doré, d'époque Louis XVI.

Provenance :
- probablement le tableau de Rivoulon refusé par le jury du Salon de 1850, "Les chercheuses de puces" ;
- collection Jaques Guérin (1880-1962) conservateur en chef du musée des Arts Décoratifs et du Musée Nissim de Camondo ;
- par descendance familiale, Poitiers.

Rivoulon. Two girls in an attic. Panel. 1849. Probably the painting rejected at the 1850 Salon entitled Les chercheuses de puces (The flea seekers).

Bibliographie : Thierry Zimmer, Antoine Rivoulon (1810-1864), Catalogue raisonné, édition numérique à compte d'auteur, 2022, page 150, n°49 noté "lieu de conservation inconnu".

Attribué à Honoré Daumier (Français, 1808-1879)
Portrait-charge présumé de Portalis

Petit buste en terre crue polychromée.
Deux étiquettes à l'arrière, l'une avec l'inscription "h. Daumier".

Haut. 13,5 cm
Petits accidents et petits manques

Haut. 12,5 cm.

Provenance : collection normande.

Attributed to Daumier. Presumed caricature of Count Portalis. Polychrome clay.

Littérature en rapport : Edouard Papet, "Daumier : les célébrités du Juste milieu, 1832-1835 : étude et restauration", cat. exp., Paris, musée d'Orsay, 25 mai-28 août 2005, Paris, Réunion des musées nationaux, 2005.

Entre 1832 et 1835, à la demande de l'éditeur Charles Philipon, fondateur de La Caricature et du Charivari, Honoré Daumier modèle une série de petits bustes en terre crue peints à l'huile caricaturant les figures politiques des premières années de la monarchie de Juillet : parlementaires, ministres, magistrats, tous plus ou moins proches d'un régime que la presse satirique désignait sous l'expression méprisante de "Juste Milieu". Ces effigies servent à l'artiste de modèles pour composer ses lithographies. Leur nombre original demeure inconnu. Trente-six seulement sont parvenus jusqu'à nous, conservées depuis 1980 au musée d'Orsay à Paris, après avoir été achetés en 1927 au petit-fils de Charles Philipon par l'éditeur d'art Maurice Le Garrec, qui les fit restaurer et mouler en raison de leur extrême fragilité avant de les éditer en bronze et en plâtre.

Le présent buste s'inscrirait donc dans cette production. L'identification présumée du modèle repose sur une confrontation méthodique avec le catalogue raisonné de l'œuvre lithographié établi par Hazard et Delteil (1904) : parmi les soixante-trois caricatures consacrées aux gens de justice, un seul sujet présente la réunion des traits caractéristiques de cette effigie : chevelure noire couvrant la totalité du crâne, nez en tubercule, joues rebondies, menton tombant sous la robe de magistrat. Il s'agirait de Joseph-Marie Portalis (1778-1858), fils du père du Code civil, ancien ministre des Cultes, puis premier président de la Cour de cassation de 1829 à 1852, représenté en pied par Daumier dans La Caricature du 3 juillet 1835.

La date de cette lithographie éclaire la charge politique de ce portrait. En juillet 1835, Portalis siège parmi les assesseurs de la chambre des pairs instruisant les procès d'avril, ces poursuites engagées contre les républicains à la suite de l'insurrection de 1834, au cours de laquelle le massacre de la rue Transnonain avait coûté la vie à des civils innocents. Cette répression judiciaire, que Daumier avait stigmatisée dans sa célèbre lithographie "Rue Transnonain, le 15 avril 1834", valut aux magistrats qui s'en firent les instruments d'être à leur tour la cible de sa verve. En brocardant Portalis, Daumier n'aurait pas seulement caricaturé un visage : il aurait instruit en argile un réquisitoire contre les serviteurs d'une justice aux ordres.

Faute de liste exhaustive réalisée du vivant de Daumier de ses portrait-charges, ces réserves d'attribution et d'identification formulées, le buste n'en constitue pas moins un témoignage plastique de premier ordre : celui d'une pratique créatrice, la sculpture comme laboratoire de la caricature, qui fit de ces fragiles terres crues l'un des ensembles les plus singuliers de l'art du XIXe siècle.

Aymeric Rouillac

D'après Jean-Jacques Feuchère (Français, 1807-1852)
Pendule de Michel-Ange

Bronze patiné et doré, marbre et cuir.
Le cadran à cartouches indiquant les heures en chiffres romains est surmonté de la figure de Michel-Ange assis et accoudé à une sculpture à côté d'une plaque gravée "Michel Ange / Buonaroti / Pittore Sculptore / Architetto Fiorentino". Deux esclaves en partie inférieure tenant un masque de grotesque dans un entourage de guirlandes végétales. Elle repose sur un socle en cuir rouge.
A l'intérieur une plaque marquée "Rue des Fossés du Temple / Mudesse, Marbrier breveté / Paris".

Troisième quart du XIXe siècle.

Haut. 79 Larg. 53 Prof. 30 cm.
Restaurations, manque le verre de la lunette arrière/

Provenance : collection particulière, Tours.

Bronze, marble and leather Michelangelo clock after Feuchère.

Oeuvre en rapport : une pendule identique conservée au Musée du Louvre sous le numéro "OA11911".

Le modèle de cette pendule est présenté à l'Exposition universelle de Londres en 1851 par le bronzier Eugène Vittoz, éditeur des oeuvres de Jean-Jacques Feuchère. L'entreprise est reprise la même année par son fils qui s'associe avec E. de Labrouë en 1852.

La figure de Michel-Ange est ravivée à partir de Louis-Philippe et plus encore sous le Second Empire, en raison de la montée de la mode historiciste. Elle participe à cette remise en valeur des grands artistes de la Renaissance comme Léonard de Vinci, Bernard Palissy, Jean Goujon et Michel-Ange. La sculpture originale de Feuchère figurant le portrait de l'artiste est créée par Feuchère en 1843, mais se voit refusée par le jury du Salon. Inscrite en partie supérieure de cette pendule, elle met en valeur l'oeuvre du florentin dominant des esclaves, qui ne sont pas sans rappeler "l'Esclave rebelle", aujourd'hui conservé au musée du Louvre. Il avait été commandé avec "l'Esclave mourant" par le pape Jules II pour son tombeau dans la basilique Saint-Pierre, puis offert par Roberto Strozzi en 1546 à François Ier.

Manufacture impériale de Sèvres
Plateau de coupe hémisphérique, 1810

Porcelaine.
A décor d’une rosace en or au centre dans un médaillon sur fond bleu orné de fleurons, arcades et rosettes en or, l’aile décorée d’une frise d’airelles et feuillage. Le fond à décor d'une étoile dans un entourage de bleu dit de Sèvres. La descente ornée d'une frise lancéolée. Le marli est décoré d'une frise de feuilles de laurier.
Marquée au revers en rouge : M. Imple de Sèvres 10". Marque de doreur "RM 16A".

Epoque Empire.

Diam. 21,2 cm.

Provenance : collection particulière, Tours.

Porcelain serving dish from the Sèvres imperial factory, 1810.

Pendule squelette

Bronze doré, émail et marbre rouge griotte.
Le cadran émaillé indiquant les heures par des chiffres romains est cerclé d'une frise étoilée. Il est surmonté d'un aigle enserrant des pampres de vigne. Un cartouche est signé "Terrien à Paris". Il repose sur une double arche inscrite sur un socle rectangulaire.
Suspension à fil.

Epoque Empire.

Haut. 47 Larg. 24,5 Prof. 12 cm.
Petits accidents.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Perche.

Gilt bronze skeleton clock by Terrien, Empire period.

Le "Dictionnaire des horlogers français" (p. 608) référence quatre horlogers travaillant sous le nom de Terrien entre l'An XII (1803-1804) et 1818.

D'après Mathurin Moreau (Français, 1822-1912)
Danseuse à la lyre et à la branche

Bronze à patine brune.
Signé sur la terrasse "d'après Moreau, Fondeur Hardy".

Haut. 122 cm.
Piédouche en marbre rose. Haut totale 129,5 cm.

Provenance : collection particulière, Blésois.

Dancing maiden holding a lyre and branch in patinated bronze after Moreau.

Guéridon

Bronze ciselé et doré, porphyre.
Il repose sur quatre pieds en console à décor de feuilles d'acanthe. Quatre dés de raccordement à décor végétal surmontant quatre pieds à griffes de lion.

France, vers 1880.

Haut. 81,5 Larg. 68 cm.
Oxydations en partie inférieure, plateaux recollés.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Perche.

Gilt bronze French pedestal table with porphyry top, circa 1880.

Notre guéridon présente toute les caractéristiques de style et de qualité des meubles réalisés par les plus grands bronziers de la seconde moitié du XIXe siècle, à commencer par Henry Dasson, dont l'atelier est installé au 106, rue Vieille-du-Temple.

Nous remercions Monsieur Christopher Payne, spécialiste du mobilier de la seconde moitié du XIXe siècle et auteur de l'ouvrage de référence "Paris, la quintessence du meuble au XIXe siècle", de nous avoir aimablement renseigné sur cette oeuvre.

Paire de bergères à châssis

Loupe de frêne.
A dossiers renversés, les accotoirs en enroulements reposent sur des pieds antérieurs en jarrets, les pieds postérieurs sabres. La ceinture marquetée en amarante d'une frise d'acanthes.

Epoque Charles X.

Estampilles apocryphes "JACOB".
Garniture à châssis en velours noir.

Haut 96 Larg. 61 Prof. 54 cm.
Restaurations.

Provenance : collection particulière, Belgique.

Pair of bergère armchairs with burr ash frame, bearing an apocryphal stamp of Jacob, Charles X period.

Onze chaises à dossier ajouré

Acajou et placage d'acajou.
Dossier ajouré en motif d'écailles pour deux d'entre elles et en treillis pour les autres. Elles reposent sur quatre pieds en sabre.
Garnitures crème et verte à décor de fleurettes et de croisillons.

Epoque Restauration.

Haut. 86 Larg. 44 ou 46 Prof. 46 ou 47 cm.
Petits accidents et restauration.

Provenance : collection particulière, Touraine.

11 mahogany veneer chairs with openwork back, Bourbon Restoration period.

Guéridon échiquier

Bronze doré et marqueterie de marbres.
De forme circulaire, le plateau en marbres de couleurs est orné d'un échiquier. Il repose sur trois pieds à têtes de bouc, réunis par deux entretoises, terminés en sabots de biche.

Style Louis XVI.

Haut. 69 Diam. 59 cm.
Restaurations.

Provenance : collection particulière, Belgique.

Louis XVI-style chess table with gilt bronze and marble marquetry.

Garniture de cheminée aux Trois Grâces

Bronze et marbre blanc.
- La pendule indique les heures par un cadran tournant inscrit dans une sphère supportée par les Trois Grâces et coiffée d'un putto au flambeau. Le socle de forme triangulaire est cerclé d'un rang de perles et décoré d'appliques aux palmes et rinceaux. Trois pieds toupies.
- Les candélabres sont à trois bras de lumière à décor végétal. Ils sont inscrits dans un vase supporté par des femmes nues. La base triangulaire terminée par trois pieds toupies.

Travail de style Louis XVI, XIXe siècle.

Pendule : Haut. 79 Larg. 32 cm.
Candélabres : Haut. 58 et 62 cm.
Bras de lumière légèrement tordus, petits manques et accidents.

Provenance : collection particulière, Tours.

Mantlepiece set of the Three Graces after the one by Chantilly, marble and bronze, Louis XVI style.

Bibliographie : Anne Fornay-Carlier, "Le mobilier du château de Chantilly", Dijon, Editions Faton, p. 178-179.

La pendule de notre garniture de cheminée reprend le dessin d'un des exemplaires les plus emblématiques du château de Chantilly, livré au duc d'Aumale en janvier 1846 par la maison Beurdeley. L'esthétique de cette pendule est mise au point sous le règne de Louis XVI par Vion ou Falconnet : Aglaë, Thalée et Euphrosyne deviennent les supports des globes terrestres et par là du mécanisme à cadran tournant.

Commande du sultan Abdülaziz (Ottoman, 1830-1876)
Selle d'amazone d'apparat rouge et or pour l'Impératrice Eugénie, 1869

Soieries, cuir, bronze, feutre, gallons et cordage.
Ensemble en excellent état comprenant :
- Selle en cuir recouverte de tissus de soieries à fond or, galonnée or à franges et décor rose et palmettes stylisées, carré et losanges en passementerie.
- Licol, harnachement en bronze et nombreux flots de glands, cordage or et soie bordeaux et or - en bouquets de pompons.
- Tapis de selle en feutre rouge galonné or avec application de ronde de roses en relief.

Etiquette sur le tapis de selle : "H. Sedefdjian & Associés, maison de qualité supérieure. Constan[tinople]" en caractères latins et ottomans avec un cheval au galop et le croissant de lune étoilé de l'Empire ottoman.

Haut. 80 Long. 100 Larg. 60 cm.
Joints photos et documents d'époque.

Conservée dans une vitrine moderne en chêne ornée d'une plaque en cuivre gravée : "Donné par S.M.M. Abdul-Hamid II Constantinople 12 février 1879". 149 x 112,5 x 79 cm.

Provenance : offert par sa Majesté Impériale Abdüll-Hamid II (Ottoman, 1842-1918), Sultan de l'Empire ottoman et calife de l'Islam, en 1879 à Mademoiselle Pauline Fournier (1855-1927), fille de l'ambassadeur de France auprès de la Sublime Porte ; par descendance familiale, collection particulière, Touraine.

Ceremonial side saddle belonging to Empress Eugénie commissioned by the Ottoman Sultan Abdulaziz, 1869.

DOUBLE SELLE IMPERIALE

Cette selle et son prestigieux harnachement sont une commande d'apparat pour la deuxième cour, dite du Diwan, au palais de Topkapi à Constantinople. C'est en effet dans la cour du Diwan que se situent les écuries du palais. Cette selle a été utilisée à deux reprises par Sa Majesté l'Impératrice Eugénie lors de son fastueux séjour à Constantinople du 11 au 19 octobre 1869, sous le règne du Sultan Abdülaziz (1830-1876), qu'elle avait accueilli à Paris deux ans plus tôt pour l'Exposition Universelle. Elle était sur le chemin de l'Egypte, en vue de l'inauguration de canal de Suez le 17 novembre, accueillie par le Khédive Ismaïl Pacha qui venait de prendre son Indépendance de la Sublime Porte.

Cette selle est réalisée dans l'atelier de Hovhannes Sedefdjian, un Arménien probablement installé dans le quartier de Galata ou de Péra. Les Arméniens de Constantinople dominaient alors de nombreuses corporations de l'artisanat de luxe, maroquinerie, sellerie, bijouterie, broderie, et fournissaient souvent la Cour impériale. Cette selle à l'amazone, pour dame montée en position latérale, annonce la période des Tanzimat et de la modernisation de la Cour, quand les femmes de la haute société et du harem impérial adopteront l'équitation européenne, à la suite de l'Impératrice des Français.

Cette selle à l'amazone est un cadeau privé, dix ans plus tard, par le nouveau Sultan Abdüll-Hamid II (1842-1918), qui accompagnait son oncle Abdülaziz en 1867 à Paris, à Pauline Fournier (1855-1927), la fille de l'ambassadeur de France à Constantinople. Grand-croix de la Légion d'honneur, conseiller général et sénateur d'Indre et Loire, Hugues Fournier (1821-1898) a été ambassadeur de France en Suède, en Italie puis dans l'Empire ottoman entre 1877 et 1880. Il a accompagné la délicate question du traité de Berlin, entérinant l'indépendance des Balkans et plaçant Constantinople en position de rempart européen face à l'Empire Russe. Aux couleurs rouges et or de l'Empire, cette selle est restée conservée par les descendants de la jeune femme, qui se mariera à son retour en France en 1887.

Philippe Rouillac

Antonio Béato (Italien, 1835-1906), Luigi Fiorillo (Italien, 1847-1898), Félix Bonfils (Français, 1831-1885), Frères Zangaki (Grecs, actifs vers 1875-1899), Andréas D. Reiser (Allemand, 1840-1898)
Egypte citadine et rurale, architectures, scènes de rues animées, métiers, marchés, ruines et monuments de l'ancienne Egypte... c. 1860-1890.

196 tirages sur papier albuminé présentés sur des feuillets cartonnés de couleur rouge, sous onglets.
Dans un fort album relié à demi-reliure verte, les plats recouverts de papier dominoté. Le dos à cinq nerfs portant la mention en doré « EGYPTE ».

Les tirages sont montés sur les feuillets par des points de colle aux angles ou bien sur les côtés. Photographies par formats : 37 x 28 cm (5), 21 x 27,5 cm (176), 23 x 12 cm (2), 17x 13 cm (4) et 10 x 13 cm (9).
Album : Haut. 32 Larg. 23,5 Prof. 9 cm.

Condition-Etat : la plupart des tirages sur papier albuminé sont en bon état de conservation mais comportent, quelquefois, des jaunissements aux pourtours.

Provenance : collection d'un ingénieur en chef de la Compagnie du Canal de Suez en poste entre 1901 et 1918 ; par descendance, collection particulière, Touraine.

Photo album of 196 images of urban and rural Egypt taken between 1860 and 1890, particularly by Beato, Fiorillo, Bonfils, the Zangaki Brothers and Reiser. Provenance: by descent, collection of the Chief Engineer of the Suez Canal Company between 1901 and 1918.

Bibliographie :
- Max Boucard et Frédéric Régamey, En Dahabieh, Paris, éditions J. Ducher, 1889.
- Jacques Jomier, Le Mahmal et la caravane égyptienne des pèlerins de la Mecque (XIIIe XXe siècles), Le Caire, Institut français d’archéologie orientale, 1953.

L’album s’ouvre par 11 vues de la cérémonie du « Tapis » et du pèlerinage à la Mecque. Il se ferme sur cliché d'Elliot et Fry représentant Lord Cromer (Evelyn Baring of Cromer), le consul général britannique en Egypte de 1883 à 1907.

Les photographies représentent divers lieux d’Egypte dont : Le Caire (Fontaine publique, tombeaux, mosquée ; Alkankah ; Ambassade de France (porte en bronze, fontaine, chambre ) ; Karnak ; Abydos ; Philae ; Kôm Omb ; Louxor ; Nazar ; Ile Eléphantine ; Assouan ; Médinet Habou ; Deir el- Bahari ; Edfou ; Dendérah ; Bab el Nasr ; Palais de Gezieh ; bas-reliefs d’Izis, Cléopâtre ; ainsi que des vues animées et métiers dont : âniers du Caire et baudets ; boutique d’objets en cuivre ; marchands ambulants ; charmeur de serpent ; groupe de femmes assises ; la récolte des dattes ; « Pharmacie Française » ; bords du Nil ; palmeraie ; marché aux ustensiles de cuisine à Boulaq Des vues remarquables dont un Transport de pierres sur le Nil ; allée menant aux Pyramides faite par Ismaïl Pacha pour recevoir l’impératrice Eugénie ; les pyramides pendant l’inondation ; statue colossale à Memphis ; le Sphinx de Gizeh en partie désensablé

Les cinq photographies en grand format, 37 x 28 cm, sont probablement toutes d’Antonio Béato. Elles ont été pliées par le milieu, à l’époque, afin de tenir dans l’album. Il s’agit de : « Colonnes du milieu » du temple de Karnak ; Zchadouf 621 ; Philae, vue est 515 A. Béato ; Philae, vue sud-est. Ainsi qu’une très belle vue d’une Dahabieh arborant le pavillon des Etats-Unis d’Amérique descendant le Nil. Cette embarcation est conduite par douze rameurs en uniforme, au repos pour la prise de vue. Douze personnages regardent en direction du photographe : trois ou quatre voyageurs, ces membres de l’équipage, employés et guide. Ce type de Dahabieh possède, sans doute, une vingtaine de cabines.

Exemples du classement des premières photographies, légendées (sic) et numérotées, avec des interruptions dans la numérotation : 2 Cérémonie du « Tapis » : retour de la caravane de la Mecque : vue des pèlerins ; 3 « Sais mosquée » ; 5 Le Caire « Tapis » Mosquée et Sultan Hassan. Arrivée Mahmal Place Méhemet Ali Caire ; 6. Départ du tapis le Caire ; 7 « Tapis » N°1 ; 8 Tapis ; 9 Le tapis accompagné : écrit au crayon de papier « tapi à la citadelle » ; 10 Ecrit au crayon de papier : « al Bab el Naz » ; 11« tapi ». ; 12 Saïs Mosquée ; 13 Kiosque de Philé (Philae) ; Non numérotée : Le kiosque à Philae. (Représentation de 6 enfants). Non numérotée : fillettes arabes vendeuses d’eau. 41 ; 20 Maison Saïd Vieux Palais Le Caire ; 21 Le Caire. Bab el Rakalil ; 22 Le Caire ; 22 Le Caire. Couronnement du décor au-delà des murailles ; 26 Le Caire. Babel Mito Ali ; 28 264. Caire. Bords du Nil. L. Fiorillo phot. 253. Caire. La récolte des dattes. L. Fiorelli phot. ; 32 Idem. 297. Caire. Environs de Boulac. Fiorillo. 278. Caire. Village arabe aux bords du Nil. 289. Caire. Le Khalig. Fiorillo ; 31 Le Caire. Rue Al Kan Kalil ; 34 La Caire. Boucherie al Kab el Maire

Yves Di Maria

Maison Christofle,
sous la direction de Paul Christofle (Français, 1838-1907)
Important trophée de prix décerné à Monsieur Chambaud au Saix, 1867

Argent.
Décerné par le Ministère de l'Agriculture, du commerce et des travaux publics pour le concours agricole de la ville de Bourg en 1867. La déesse Cérès au sommet repose sur un socle aux armes impériales avec l’inscription "CONCOURS REGIONAL AGRICOLE DE BOURG / DECERNEE A". La coupe présente un décor estampé de quatre scènes des travaux des champs légendées "PATURAGE, MOISSON, VENDANGE, LABOURAGE". Le bord est souligné de l’inscription « MINISTERE DE L'AGRICULTURE DU COMMERCE ET DES TRAVAUX PUBLICS MDCCCLXII ». Le fût fuselé et cannelé dans un entourage de pampres de vigne se termine par des gerbes de blé. La base circulaire est composée d’un bœuf, d'un bélier, d'une brebis, d'un soc de charrue et d'une faux en ronde-bosse. Il repose sur quatre pieds à enroulements feuillagés ajourés, richement décorés et ciselés de bouquets de feuilles.

Poinçon Minerve 1er titre.
Signé "CHRISTOFLE Ft (fecit) 1867".
D'après un modèle des sculpteurs Eugène Capy (Français, 1829-1894) et Pierre-Louis Rouillard (Français, 1820-1881).

Haut. 65 Diam. du plateau 41 cm.
Poids 9 300 g.

Avec son rare écrin pyramidal vert, doré des armes impériales et marqué : "Concours agricole de la ville de Bourg 1867". 75 x 44,5 x 44,5 cm.

Provenance : conservé jusqu’à ce jour dans la descendance de M. Chambaud dans l’Ain.

Silver prize cup by the Christofle company, awarded by the Ministry of Agriculture in 1867 and preserved with its extremely rare case by the recipient’s heirs.

Bibliographie :
- Yves Badetz in Daniel Alcouffe (dir.), "L'Art en France sous le Second Empire", cat. exp. Paris, Grand Palais, 11 mai - 13 août 1979, Paris, Ed. RMN, Notice 79.
- Pierre Tochon, "La prime d'honneur de l'Ain en 1867", chez Albert Bottero, Chambéry, 1867, une copie jointe.
- Henri Tochon, "Rapport sur le domaine du Saix", 1867, une copie jointe.

Le modèle de cette coupe semble être développé dès 1861 par la Maison Christofle, qui présente cette année-là au Salon, une coupe en « or et argent » donnée par le Ministère de l’Agriculture au concours régionaux. Un exemplaire est ensuite inscrit à l’Exposition universelle de Londres de 1862. Charles Christofle n’est pas seul dans l’invention de ces coupes. Il est rejoint par Eugène Capy pour la figure de Cérès et Pierre-Louis Rouillard pour les représentations des animaux. Son répertoire décoratif joue ainsi entre réalisme et néo-classicisme pour ce sommet de l'orfèvrerie française du Second Empire.

Simple fermier en 1840, François Eugène Chambaud (1822-1906) devient fermier à Péronnas dans l'Ain en 1846, avant de racheter le domaine dont il est directeur aux sœurs de la Visitation de Thonon en 1857. Dès 1859, il reçoit une médaille d'or au concours agricole de l'Ain avant de recevoir en 1867 la prestigieuse prime d'honneur symbolisée par cette coupe. Au terme d'un rapport documenté où il loue tant la valeur agricole de son récipiendaire que l’activité, l’intelligence, la dévotion, la modestie et le mérite de son épouse, Pierre Tochon conclut : "Que M. Chambaud vienne donc recevoir cette coupe d'honneur, qu'il la conserve avec soin, qu'il la montre avec orgueil à ses enfants, à ses amis, et surtout aux agriculteurs praticiens de toutes les conditions, comme un témoignage de la puissance du travail pour arriver à l'aisance et même à la fortune, comme un témoignage de l'intérêt tout spécial que l'Empereur porte aux classes agricoles depuis son avènement au Trône."

Jean-Baptiste Carpeaux (Français, 1827-1875)
Deux dessins dans un même encadrement

Crayon noir, un dessin signé "Bst Carpeaux" en bas à droite.

Haut. 9,8 Larg. 13,5 cm.
Haut. 10,5 Larg. 18 cm.
Un est insolé.

Cadre en bois mouluré et doré. 36,5 x 28 cm.

Provenance : collection Jaques Guérin (1880-1962) conservateur en chef du musée des Arts Décoratifs et du Musée Nissim de Camondo, Paris ; par descendance, collection particulière, Poitiers.

Carpeaux. Two black pencil drawings.

Jean-Baptiste Carpeaux (Français, 1827-1875)
L'Asie
Le Chinois n°2

Terre cuite.
Signature cursive. Cachets : "Propriété Carpeaux" à l'Aigle impériale, "Atelier & Dépôt / 74, rue Boileau /Auteuil. Paris" et numéro d'ordre d'épreuve "1788".

Haut. 33,5 Larg. 23,5 Prof. 14 cm.

Bibliographie :
- Michel Poletti, Alain Richarme, "Jean-Baptiste Carpeaux sculpteur. Catalogue raisonné de l'oeuvre édité", Paris, Editions de l'Amateur, 2003, un modèle en bronze reproduit p. 123, n°BU23;
- Michel Poletti, "Jean-Baptiste Carpeaux l'homme qui faisait danser les pierres", Montreuil Seine-Saint-Denis, Gourcuff Gradenigo, 2012, précisions quant au modèle pour la fontaine de l'Observatoire p. 160-161.

Nous remercions Monsieur Alain Richarme qui a aimablement confirmé l'existence de cette épreuve en terre-cuite du "Chinois n°2", non mentionnée dans son catalogue raisonné de 2003.

Carpeaux. Asia or Chinese man no.2. Terracotta.

Haut d'une trentaine de centimètres, ce buste d'un chinois est une émanation d'une oeuvre monumentale de Jean-Baptiste Carpeaux : la "Fontaine des Quatre-Parties-du-Monde". Commandée en 1867 par le baron Haussmann pour être placée face à l'Observatoire, elle convoque les personnifications de l'Amérique, de l'Afrique, de l'Europe et de l'Asie soutenant la sphère céleste.
Ce buste est le résultat des recherches de Carpeaux pour la représentation du visage de l'Asie.
Il est édité en trois modèles différents : "l'Esquisse" avec son traitement impressionniste, le Chinois n°1 en grandes dimensions et le Chinois n°2 en petites dimensions. Terre-cuite, bronze, plâtre et marbre sont employés. Non mentionnée dans le catalogue raisonné, l'épreuve en terre-cuite du "Chinois n°2" est rare. Elle aurait été éditée du vivant de l'artiste avec des cachets datés, puis à titre posthume dans son atelier d'Auteuil par sa famille à l'instar de cette épreuve.

Auguste Nicolas Caïn (Français, 1821-1894)
Pompier et Caron, Chiens bâtards français arrêtés sur le change, 1887

Bronze.
Signé, inscrit "épreuve unique", titrés, les chiens avec la marque d'équipage "B".
Fondeur A Rolland.

Haut. 205 Larg. 186 Prof. 121 cm.

Provenance : vente Sotheby’s, Londres, 1995.

Exposition : Salon de la Société des artistes français, Paris, 1887, le marbre exposé sous le n°3720.

Cain. Pompier and Caron, French Crossbred Hounds Held at the Relay Point. Unique bronze cast. 1887.

LES CHIENS DE CHASSE DE CAIN

Imposant par sa composition et la finesse de son modelé, ce groupe de deux chiens de chasse en bronze illustre le talent d’Auguste-Nicolas Caïn, l’un des grands sculpteurs animaliers du XIXe siècle. Formé chez Pierre-Jules Mêne (1810-1879), dont il partage la fonderie, épouse la fille puis reprend l’atelier à sa mort, Caïn s’oriente très tôt vers la sculpture animalière et devient une figure majeure de la sculpture monumentale. En 1880, il répond à la commande prestigieuse d’Henri d’Orléans, duc d’Aumale pour le domaine de Chantilly, dont il réalise plusieurs sculptures en bronze : cerfs, loup et sanglier. Deux groupes monumentaux de couples de Chiens de Saint-Hubert sont installés sur la terrasse du château : Fanfaraut et Brillador et Lumineau et Séduisant.

Pour cet illustre commanditaire, fidèle à sa méthode fondée sur l’observation du vivant, Caïn accepte de ne pas reproduire à l’identique ses chiens. Toutefois, une variante est finalement crée et exposée dans le marbre au Salon de 1887 (Chiens bâtards français arrêtés sur le change, Matador et Caron), achetés par le palais de l’Elysée et aujourd’hui déposée dans le parc Jean Moulin derrière la mairie du Chambon-Feugerolles dans la Loire. Une seconde variante sera fondue en 1893 par Barbedienne pour le banquier Jacques Stern (non titrés, vente Sotheby’s, Londres, 22 novembre 2024, n°49). Notre groupe de chiens nommés Pompier et Caron correspond lui aux Chiens de Saint Hubert du duc d'Aumale titrés Lumineau et Séduisant et à ceux de la première version du Salon de 1887, Matador et Caron.

Contrairement à ceux d’Aumale, les autres chiens sont attachés en arrêt à un relais, ici un tronc d’arbre au sommet duquel est un cor de chasse. Si le cor de chasse a disparu avec le temps du groupe en marbre de 1887, c'est bien le même groupe que le nôtre, avec les flancs des chiens marqués de la lettre B. Ceux du duc d’Aumale portent un triangle inversé sur le flanc droit et ceux de l’équipage de Jacques Stern sont marqués d’un S. Bien que ces chiens soient marqués d’un B et non du U, ce bronze aurait appartenu selon une tradition non établie à Anne de Rochechouart de Mortemart, duchesse d’Uzès (1847-1933), qui reprit au décès de son mari le fouet du Rallye-Bonnelles, découplant en forêt de Rambouillet.

Les quatre chiens du duc d’Aumale sont fondus, comme ceux-ci, par Rolland, tandis que ceux de Jacques Stern le sont par ses successeurs Jaboeuf et Bezout et par Barbedienne. Fondeur à Paris, successeur de Boyer, A. Rolland meurt précisément en 1887. Sa veuve vend alors la société à Jaboeuf et Bezout, qui annoncent en 1890 dans le bottin commercial « des ateliers spéciaux pour la fonte de statues, monuments et autres pièces de grandes dimensions » (E. Lebon, 2003, p. 217).

Pompier et Caron traduisent la précision anatomique et le sens de l’observation du vivant de leur auteur. La tension des attitudes et la dynamique entre les figures donnent à l’ensemble une forte expressivité, mêlant mouvement et discipline de la chasse à courre. L’un, assis, est calme, l’autre, debout, est en alerte. Le socle, traité avec réalisme, évoque un sol forestier jonché de branchages et de feuilles. S’il le pouvait, il sentirait bon la mousse et les sous-bois. Par sa qualité d’exécution, sa composition équilibrée et sa richesse historique, ce bronze constitue un témoignage exceptionnel du savoir-faire d’Auguste-Nicolas Caïn et de l’importance de la sculpture animalière dans la France du XIXe siècle.

Aymeric Rouillac et Noémie Fouché

Charles Paillet (Français, 1871-1937)
Sanglier attaqué par trois chiens

Bronze à patine brune nuancée.
Signé sur la terrasse et cachet de fondeur "Cire Perdue Leblanc-Barbedienne & Fils à Paris".
Cartouche inscrit "Offert par le syndicat des affineurs de fromages de Brie à son président Mr A. Berton avril 1942".

Haut. 41 Long. 57 Prof. 27 cm.
Reposant sur une base rectangulaire en marbre vert de mer.

Provenance : collection particulière, Charente.

Wild boar set upon by three dogs in patinated bronze by Paillet.

Bibliographie : Jean-Charles Hachet, "Dictionnaire illustré des sculpteurs animaliers & fondeurs de l'Antiquité à nos jours", éditions Argus Valentines, Bilbao, 2005, tome II, modèle reproduit p. 771.

Elève de Georges Gardet, il expose régulièrement au Salon à partir de 1898 avec une spécialisation dans l'art animalier notamment cynégétique. Notre sculpture exceptionnelle par sa taille reprend ici un thème particulièrement populaire pour la fonte d'édition à savoir celui de l'hallali du sanglier. Ce thème sera notamment mis à l'honneur par des artistes comme Pierre Jules Mêne et Georges Gardet dont il reprend certains éléments tel le chien sur le dos.

Léon Bonduel (Français, 1857-1928)
L'Alerte, 1889

Bronze.
Signé "Bonduel - Paris / 1889". Cartouche titré "L'alerte / Par Bonduel".

Haut. 54 Long. 80 Prof. cm.

Provenance : collection particulière, Blésois.

The Alert, bronze sculpture by Bonduel in 1889.

Oeuvre en rapport : une oeuvre du même modèle est aujourd'hui conservée au sein des collections du musée des Beaux-Arts de Rennes (n°INV 83.4.1).

Johannes Huibert Prins (Hollandais, 1757-1806)
Moulin

Aquarelle.

Haut. 25 Larg. 31 cm.
Cadre en bois doré.

Provenance : collection particulières, vallée du Cher.

Prins. Mill. Watercolour.

Attribué à Thomas Couture (Français, 1815-1879)
Mère et son enfant fuyant un incendie, épisode de la Commune

Toile d'origine.
Annotée au revers : Episode de la Commune de Paris.

Haut. 43 Larg. 33 cm.

Provenance : collection particulière, Toulouse.

Couture. A mother and her child fleeing a fire, an episode from the Paris Commune. Canvas.

Attribuée à Paul-Charles Sormani (Français, 1848-1926)
Table de milieu

Placage d'acajou et satiné, bronze et marbre.
Le plateau est souligné d'une lingotière à décor de feuilles d'acanthe et d'une ceinture à motifs en applique de paniers aux pampres de vigne, instruments de musique et outils des champs. La partie supérieure du piétement en cariatides et termes se prolongeant par des gaines et pieds toupies réunis par une entrejambe en H à la manière d'Adam Weisweiler.

Fin du XIXe siècle début du XXe siècle.

Haut. 78,5 Diam. 79 cm.
Petits accidents.

Provenance :
- collection de Madame Yvonne Dubel (1881-1958), cantatrice, Paris ;
- par succession familiale, collection particulière, blésois.

Mahogany veneer, satin, bronze and marble centre table attributed to Sormani after 1894.

Bibliographie :
- Denise Ledoux-Lebard, "Le mobilier français du XIXe siècle", Paris, Les éditions de l'Amateur, 2000, un modèle proche réalisé par Henry Dasson p. 148.
- Me Fredéric Lecocq, "Catalogue des modèles pour bronzes d'art, meubles de style et grande décoration avec droit de reproduction..., provenant de la maison H. Dasson et Cie", Vente à Paris du 9 au 12 octobre 1894, p. 65, n°445.

Sous le Second Empire, l'Impératrice Eugénie s'entiche du "style Marie-Antoinette" et réaménage le décor intérieur du château de Saint-Cloud. Dans le prolongement du goût historiciste, les ébénistes réutilisent les formes de la fin du XVIIIe siècle. Les pieds en cariatides et les piétements en H citant la production d'Adam Weisweiler sont alors abondamment employés, afin de rappeler la table à écrire de la Reine (Paris, musée du Louvre, OA5509), à l’instar du piétement de ce meuble.

Le modèle de notre table serait inventé par Guillaume Winckelsen. A sa mort en 1871, Henry Dasson acquiert son stock et reprend à dessein ce modèle, dont nous référençons au moins cinq exemplaires signés et datés entre 1878 et 1888, avec des variations dans la composition de l’entrejambe (ventes Christie's 2007, 2012, 2016 et 2018, galerie Adrian Alan et Ledoux-Lebard, op. cit).

"Les modèles pour bronzes d'art, meubles de style et grande décoration et droit de reproduction de la Maison H.Dasson et Cie" font ensuite l'objet de quatre ventes en 1894 au décès d'Henry Dasson. Une "table Louis XVI, pied tête de femme et petit faune" rappelle la composition de notre guéridon. Le modèle est acquis "210 francs" par "Sormani", d'après les indications manuscrites du catalogue conservé à la Bibliothèque nationale de France (département des Estampes et photographie, YD-1).

La maison Veuve Paul Sormani et fils, active jusqu'en 1934, réédite ensuite ce modèle en plusieurs essences de bois, afin de prolonger son "chic", remarqué par un commentateur anonyme du catalogue de la vente Dasson et Cie.

Thomas Hache (Français, 1664 1747)
Exceptionnelle armoire de mariage à scagliola bleue et ivoire, c. 1690-1695

Richement marquetée, en façade et sur les côtés, de rinceaux feuillagés et fleuris, de branches d'aubépine, rubans, couronnes comtales et monogrammes en ivoire, ornements en scagliola bleue, cartouches, fleurs et feuillages au naturel et teintés, guirlandes de fleurs, oiseaux, vases Médicis, draperies, frises de feuilles d'acanthe et fleurettes, sur fonds de noyer teinté et contre-fonds de ronce de noyer et de beau noyer veiné. Reposant sur cinq pieds boule en bois noirci.

Chambéry, vers 1690-1695.

Haut. 212 Larg. 153 Prof. 65 cm.
Très bon état général, fonds, caisson intérieur, charnières, entrées et serrures rapportés.

Provenance : collection particulière, Lyon.

Exceptional ivory and blue scagliola wedding armoire by Thomas Hache, circa 1690-1695.

Bibliographie :
- Pierre et Françoise Rouge, « Le génie des Hache », Dijon, Editions Faton 2005, voir la typologie des armoires, pp. 72-97.
- Ce modèle sera reproduit et décrit dans le second volume à paraître.

CITES - Objet composé d'ivoire d'elephantidae spp.
Conformément aux dispositions de la réglementation en vigueur sur le territoire de l'Union (Règlement (UE) n° 2021/2280 du 16/12/21), l'objet sera délivré à l'acquéreur avec son Certificat Intracommunautaire n° FR2606900209-K en date du 02/04/2026.
En cas de sortie du territoire européen, un certificat de réexportation, à la charge de l'acquéreur, sera nécessaire. Ce dernier doit également se renseigner au préalable sur la législation en vigueur dans le pays de destination.

UN DECOR INEDIT AU NATURALISME RAFFINE

Cette armoire se distingue des autres modèles connus par la présence d’ivoire sur les perles de la couronne comtale et sur les monogrammes, Thomas Hache privilégiant habituellement l’emploi de l’os dans ses décors de fleurs dites « au jasmin ». Si la couronne est celle d’un comte, les monogrammes sont « de fantaisie », comme c’est le cas le plus souvent. La présence d’ivoire indique que le commanditaire a souhaité un matériau plus noble que l’os. A ce jour, seules trois armoires sont ornées d’armoiries identifiables.

Les couronnes et les monogrammes sont entourés de deux branches d’aubépines reconnaissables à leurs feuilles vertes bien découpées et à leurs baies rouges, tandis que dans les médaillons médians apparaissent deux perroquets au plumage finement gravé, en guise de Renommées habituellement rencontrées. Le décor floral témoigne d’un naturalisme de grande qualité avec la présence inédite d’une branche de lys et d’une fleur de tournesol, rarement rencontrées, au milieu des tulipes, pivoines, œillets, jonquilles et autres ipomées en scagliola bleue.

En façade, chaque porte est entourée d’une remarquable frise de feuilles d’acanthe et de fleurettes, et d’une frise sur la corniche qui diffère des autres modèles connus par le motif central composé d’un bouquet audacieusement asymétrique, tandis que les cartouches de part et d’autre sont inédits par la composition de rinceaux feuillagés au naturel et teintés ; sur les côtés, ils sont repris en contrepartie, selon la technique inventée par Pierre Gole (v. 1620-1685), ébéniste du roi, puis développée par André-Charles Boulle (1642-1732).

Les côtés proprement dits diffèrent aussi des modèles connus par la forme originale des trois médaillons, dont celui du haut au décor de draperies et de rubans qui fait écho à ceux des réserves inférieures de façade et qui coiffe élégamment œillets, jonquilles, fleurs d’acanthe et rinceaux feuillagés savamment agencés.

Après un séjour dans l’atelier de Pierre Gole à Paris, Thomas Hache travaille dès 1685 à Chambéry, capitale administrative du Duché de Savoie, où il utilise le principe décoratif de la scagliola, inventé en Italie au milieu du XVIIe siècle pour imiter la très coûteuse marqueterie de pierres dures.

A partir de 1695, il développe à Grenoble un atelier prospère et original par l'emploi quasi exclusif des bois des Alpes et leurs belles loupes teintées aux effets graphiques remarquables et par l'invention de formes et de techniques de montage inédits dans l'ébénisterie parisienne. Ce savoir-faire exceptionnel est récompensé en 1721 par le Brevet d'Ebéniste du Duc d'Orléans, gouverneur de la province du Dauphiné et prince du sang.

Françoise Rouge

Lustre montgolfière

Bronze doré et cristal.
A huit bras de lumière, il est surmonté d'une petite couronne à décor de palmettes soulignées de couteaux. La cage à pampilles est soutenue par une monture ornée d'appliques végétales.

Epoque Empire-Restauration.

Haut. 90 cm.
(accidents, manques et restaurations, monté à l'électricité)

Provenance : collection particulière, Gènes.

Bronze and crystal hot-air balloon chandelier from the first half of the 19th century.

Grande armoire de la Foi et de l'Espérance

Chêne, placages et intarsia.
La partie supérieure à corniche ajourée et mouvementée présente en son centre un monogramme souligné de cornes d'abondances et guirlandes fleuries. Elle ouvre par deux vantaux décorés d'allégories de la Foi et de l'Espérance. La partie inférieure ouvre par deux tiroirs. Pieds miches.

Allemagne, XIXe siècle dans le goût du XVIIIe siècle.

Haut. 245 Larg. 197 Prof. 70 cm.

Provenance : collection particulière, Berry.

Large 19th-century German armoire with cornice in the 18th -century style, featuring decoration depicting allegories of Faith and Hope on the doors.

Bibliographie: Wolfgang Schwarze, "Antike Deutsche Möbel. Bürgerliche und rustikale Möbel in Deutschland 1700 bis 1840", Wuppertal, W. Schwarze, c. 1975, des modèles entre 1720 et 1760 sous les n°19, 20, 51 et 119.

Ecole probablement flamande du XVIIIe siècle
Christ en croix de type "Cristo vivo"

Ivoire sculpté.
Bouche ouverte, les yeux levés vers le ciel, chevelure tombant sur les épaules en mèches ondulées, périzonium court noué sur la hanche gauche, jambes légèrement fléchies et pieds juxtaposés. Titulus également en ivoire.

Haut. du Christ env. 39 cm.
Larg. au niveau des bras env. 23 cm.
Larg. au niveau du corps env. 6/7 cm.
Poids du Christ 504 g.

Cadre à ressauts en bois sculpté et doré à décor de fleurs, de rinceaux et de coquilles.
Poids brut total 5.075 g.

Provenance : collection particulière, Paris.

Carved ivory cross representing Christo-vivo in an offset frame, probably Flemish, 18th century.

CITES - Objet composé d'ivoire d'elephantidae spp.
Conformément aux dispositions de la réglementation en vigueur sur le territoire de l'Union (Règlement (UE) n° 2021/2280 du 16/12/21), l'objet sera délivré à l'acquéreur avec son Certificat Intracommunautaire n° FR2507513845-K en date du 20/10/2025.
En cas de sortie du territoire européen, un certificat de réexportation, à la charge de l'acquéreur, sera nécessaire. Ce dernier doit également se renseigner au préalable sur la législation en vigueur dans le pays de destination.

Attribué à César Bagard (Français, 1620-1709)
Christo Vivo

Bois sculpté dit de Sainte Lucie.
Dans un encadrement sculpté.

Haut. 85 cm.

Provenance : collection d'un château du Vendômois.

Cross representing Christo-vivo, sculpted cherrywood, known as bois de Sainte-Lucie, attributed to Bagard.

Souabe, première moitié du XVIe siècle
La Sainte Parenté

Beau groupe en tilleul sculpté.
Au centre, assises sur un banc-trône, la Vierge et Anne tiennent l’Enfant Jésus qui tend la main droite vers sa Mère ; de chaque côté, s’appuyant au dossier couronné d’une coquille stylisée, sont figurés Joachim et Joseph.

Haut. 52 Larg. 60 Prof. 9 cm.
(quelques piqûres)

Provenance : collection d'Aviau de Piolant, château de Ternay, depuis le début du XIXe siècle.

Carved limewood group made in Swabia in the first half of the 17th century, depicting the Holy Kinship.

Cabinet

Ebène mouluré et sculpté plaqué sur fond de résineux et de poirier noirci.
Il ouvre en partie supérieure par neuf tiroirs à décor en X. L'encadrement des côtés encercle un losange sur fond de stries. Le piétement tourné à quatre pieds en balustre est réuni par des entretoises.
Poignées de tirage mobiles en laiton.

Travail portugais du XIXe siècle.

Haut. 149 Long. 125,5 Prof. 45 cm.
(restaurations)

Provenance : succession d'un antiquaire, Perche.

Moulded and carved ebony veneer cabinet made in Portugal in the 19th century.

Paire d'encoignures de forme triangulaire

Marqueterie sur fond de résineux.
Décors sur les plateaux, les vantaux et les montants de vases fleuris entourés d'oiseaux. Elles ouvrent chacune par un vantail.

Travail hollandais de la fin du XVIIIe siècle - début du XIXe siècle.

Haut. 88,5 Larg. 74 Prof. 44,5 cm.
Manque les entrées de serrure, petits accidents et restaurations.

Provenance : collection particulière, Vienne.

Pair of Dutch marquetry corner cabinets inlaid with vases of flowers, late 18th-early 19th century.

Grand miroir aux putti

Bois mouluré, sculpté, stuqué et doré.
La partie supérieure au buste d'enfant dans un entourage de cornes d'abondance terminées par des bouquets de fruits. Les côtés sont décorés de deux enfants aux drapés sur fond de rinceaux. Un mascaron en partie inférieure. Une glace au centre soulignée de frises de feuilles.

Travail italien du XVIIIe siècle.
Glace postérieure.

Haut. 164 Larg. 130 cm.
Accidents, manques, restaurations et renforts.

Provenance : collection particulière, Berry.

Large 18th-century Italian mirror with giltwood carving of infants with the horn of plenty.

Bibliographie :
- Silvano Colombo, "L'arte del legno e del mobile in Italia : mobili, rivestimenti decorazioni, tarsie dal medioevo al XIX secolo", Bramante, Busto Arsizio, c. 1981, n°439 pour un miroir sur pied à décor de putti et lions de l'école de Gênes du XVIIIe conservé au Palazzo Rosso ;
- Goffredo Lizzani, "Il mibile romano", Milano, Görlich, 1970, p. 142, n°236 pour un cadre non daté ;
- Enrico Colle, "Il mobile Barocco in Italia : arredi e decoraioni d'interni del 1600 al 1738", Milano Electa, 2000, p. 39, pour une console aux pieds antérieurs en forme de putti à rapprocher.

Chine, époque Kangxi (1661-1722)
Vase d'autel, 1690

Porcelaine à décor en bleu sous couverte.
Haut col tubulaire, la panse ornée d'un dragon en vol au-dessus des flots pourchassant la perle flammée dans les nuées, le col à décor de flots, nuées, perle flammée, flanqué de deux têtes de lion formant anses, terminé par une frise de nuées.

Il porte la date de 1690 avec une inscription dédicatoire : "Un fidèle nommé Xu Guodong, originaire du comté de Tongzhou dans la préfecture de Shuntian, fit fabriquer une paire de grands vases en porcelaine, qu’il offrit en hommage devant la statue de Guanyin située dans le village de Caochang, à l’intérieur de la porte sud de la nouvelle ville, le mois de l’hiver de la vingt-neuvième année du règne de Kangxi (1690)."

Haut. 52,2 cm.
(ébrèchures, fêlure, fêlures de cuisson)

Provenance : château de la vallée du Loir.

Chinese porcelain altar vase from the Kangxi era, with blue decoration and a dedication for the city of Caochang dated 1690.

Cambodge, début du XXe siècle
Plateau sur pied

Vermeil.
Travail au repoussé, à décor sur le pourtour des douze animaux du zodiaque parmi des fleurs de lotus et rinceaux. Le pied orné de frises de champignons de longévité ornés de fleurs dans leur feuillage.

Haut. 16 Diam. 31 cm.
Poids 1.500 g.
(manque à la dorure et petits accidents)

Provenance :
- collection Prévost, administrateur pour le roi du Cambodge ;
- par transmission familiale ; collection particulière, Touraine.

Cambodian vermeil tray table dating back to the turn of the 20th century.

Chine, Canton, vers 1900
Album

Comprenant quatorze peintures sur papier de riz (tong cao) représentant des fleurs de quatre saisons arrangées dans des paniers.

Peintures : Haut. 29 Larg. 20 cm.
Usures et manques.

Provenance : collection particulière, Maine-et-Loire.

China. Album of 14 flower paintings on rice paper. Canton, circa 1900.

Chine, Canton, XIXe siècle
Album

Comprenant une peinture sur feuilles de pipal, représentant une femme assise anciennement attribué à Tingqua (Chinoise, 1809-1870) et sept peintures sur papier de riz (tong cao) représentant des fleurs, insectes et oiseaux.

Long. 18,5 Larg. 29 cm.
Accidents et manques.

Provenance : collection particulière, Maine-et-Loire.

China. Album with one peepal leaf painting formerly attributed to Tingqua and seven paintings on rice paper. Canton, 19th century.

Chine, époque de la République de Minguo (1912-1949)
Vase balustre

Porcelaine à décor émaillé polychrome dans le style de la famille rose.
A col évasé et décor de réserves de coqs et poules dans les pivoines et couple de cailles dans les bambous sur fond émaillé corail et or de rinceaux de lotus épanouis, ruyi, pierres sonores et grenades, le col orné de frises de ruyi, pendeloques et grecques.
Au revers, la marque apocryphe de Qianlong.

Haut. 40,1 cm.
Sur un socle en bois. Haut. totale 45 cm.

Provenance : collection particulière, Berry.

China. Enamelled porcelain baluster vase, from the Republic of China (Minguo) period.

Japon, époque Meiji (1868-1912)
Grand vase balustre

Porcelaine laquée.
A col évasé et ondulé, à fond rouge et noir à décor de réserves ornées de fleurs sur fond de croisillons, col orné de réserves d'oiseaux volant parmi les cerisiers en fleurs.

Haut. 91 cm.
(Restaurations et accidents)

Il repose sur une monture en bois et plâtre doré. Haut. totale 108 cm.

Provenance : collection particulière, Berry.

Large Japanese lacquered trumpet vase from the Meiji era.

Fauteuil à châssis

Hêtre mouluré et sculpté.
Dossier à la Reine, surmontés de fleurs, accotoirs à manchettes en retrait terminés par des enroulements. La ceinture chantournée à décor de fleurs, cartouches et rinceaux. Il repose sur quatre pieds cambrés.

Epoque Louis XV.

Garniture en tapisserie aux petits points à dossier et assises amovibles à décor de fleurs et de rinceaux.

Haut. 101 Larg. 76 Prof. 83 cm.
Petits accidents, restaurations et trous d'insectes.

Provenance : château du Vendômois.

Louis XV carved beechwood straight-backed (à la Reine) armchair with removable upholstery (à châssis).

Daum Nancy
Vase gourde

Verre multicouche à décor dégagé à l'acide figurant un paysage lacustre.
Signé.

Haut. 41 cm.
(petits défauts de cuisson)

Glass gourd vase, engraved by Daum in Nancy.

Travail vénitien du XVIIIe
Paire de porteurs d'offrandes

Laque européenne polychrome à l'or.
Ils reposent sur une terrasse mouvementée ornée de vase et de fleurs.
Inscription manuscrite à l'encre au verso : "Antonio Borghini Manoffata 1778 a signor Bu... Sempre Cena"

Haut. 22 Long. 22 Prof. 14 cm.

Provenance : collection particulière, Monaco.

Pair of polychrome lacquered Chinese figures made in Venice in the 18th century.

Bibliographie :
- Andrée Lorac-Gerbaud, "Les secrets du laque", Turin, Editions de l'Amateur, 1996, pp.100-105.
- Saul Levy, " Lacche veneziane settecentesche ", Milan, Görlich, 1999, vol. II, un modèle de ce type illustré planche 396.
- Monika Kopplin, "European Lacquer", Munich, Hirmer, 2010, pp. 26-30.

A Venise au XVIIIe siècle, l'art de vivre à la française est à la mode. De nombreux artisans collaborent pour décorer les bodoar, dérivés du boudoir français. Le "dépentore" y tient un rôle fondamental : son travail est l'imitation de la laque chinoise et japonaise. La technique est décrite par Morazzoni en 1958, depuis les étapes préparatoires, la réalisation de décor au pinceau ou à la plume jusqu'à la dorure au mordant. La laque conquiert alors tous les supports, les ornant de personnages "à la chinoise" mais aussi par la réalisation de sculptures laquées sur les mêmes thèmes. Même si les peintres se libèrent progressivement des modèles asiatiques, les décors orientaux restent en vogue avec la technique de la "lacca povera", réalisée par l'apposition d'estampes colorées recouvertes de sandaraque afin de donner l'illusion de la peinture. Cette nouveauté satisfait une demande de plus en plus importante d'objets laqués à décor de chinoiseries. Notre paire de sujets chinois, rappelant des serre-livres, illustrent l'engouement de la Sérénissime pour l'Empire du Milieu.

N.C.

Cartel d'applique et son cul-de-lampe

Ecaille, placage de palissandre et bronze.
La caisse de forme violonnée présente en son centre un cadran à cartouches émaillés blanc avec les heures en chiffres romains et un cartouche apocryphe signé "J. Baptiste Baillon". Il est surmonté d'une figure de la Renommée. La partie inférieure à décor de feuilles d'acanthe, volutes et un mascaron. Quatre pieds en gaine terminés par des boules aplaties.
Le cul de lampe au modèle.
La platine signée "Terrier à Paris" est équipée d'une suspension à Brocot.

En partie d'époque Régence.

Cartel : Haut. 93 Lar 45 Prof 17 cm.
Cul de lampe : Haut. 34 Larg. 45 Prof. 23 cm.
Haut totale 121 cm.
Manques, restaurations et transformations.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Orléans.

Tortoiseshell, veneer and bronze wall clock, partly from the Regency period, bearing the apocryphal signature of Baillon.

Le "Dictionnaire des horlogers français" de Tardy référence p. 608 quatre horlogers travaillant sous le nom de Terrien entre l'An XII (1803-1804) et 1818.

Attribuée à Jacques Denizot (Français, 1684-1760)
Commode tombeau

Placage de bois de rose.
Galbée toutes faces d'un décor de croisillons, elle ouvre par cinq tiroirs en façade répartis sur trois rangs. Riche ornementation de bronzes dorés aux chutes d'angles, entrées de serrures, poignées de tirage à décor de pages, tablier et pieds.
Plateau de marbre brèche d'Alep mouluré d'un bec de corbin.

Epoque Régence, début du règne de Louis XV.
Attribuée à Jacques Denizot, reçu Maître à Paris vers 1730.

Haut. 83 Long. 130,5 Prof. 65,5 cm.
Accidents et sauts de placage.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Orléans.

Rosewood veneer chest of drawers attributed to Jacques Denizot at the start of Louis XV’s reign.

Oeuvre en rapport : une commode de forme tombeau similaire en placage d'amarante est conservée au Musée Jacquemart-André de Chaalis selon Pierre Kjellberg.

Bibliographie : Pierre Kjellberg, "Le mobilier français du XVIIIe siècle", Paris, Editions de l'Amateur, 1989, un modèle proche p. 254.

Salon aux Fables de La Fontaine et aux Enfants jardiniers
Comprenant six fauteuils et un canapé

Bois mouluré, sculpté et laqué crème.
Dossiers cabriolets terminés en chapeaux de gendarme et décor de frises de piastres aux retombées, feuilles d'acanthes aux amortissements des montants, accotoirs à manchettes terminés en volutes, dés de raccordement à motifs de fleurettes, ils reposent sur des pieds fuselés, cannelés et rudentés.
Fine tapisserie d'Aubusson en laine polychrome à décor d 'enfants jardiniers d'après François Boucher telles que des scènes galantes, pastorales, un oiseleur, un homme et son chien sur les dossiers. Les assises reprennent des Fables de La Fontaine, d'après Jean-Baptiste Oudry telles que le corbeau et le renard ou des scènes de chasse.

Epoque Louis XVI.
Modèle attribué à Martin Jullien, menuisier reçu maître le 23 juillet 1777.

Canapé : Haut. 103, Larg. 177, Prof. 72 cm.
Bergère : Haut. 96,5, Larg. 70, Prof. 69 cm.
Fauteuils : Haut. 88,5, Larg. 63, Prof. 60 cm.

Provenance :
- 12e vente Garden Party, Me Rouillac, château de Cheverny, 26 mai 1996, n°169 ;
- collection particulière, Vendôme.

Louis XVI living room suite with Aubusson tapestries of La Fontaine’s Fables and Children Gardening after Boucher and Oudry.

Bibliographie : Pierre Kjellberg, "Le mobilier du XVIIIe siècle français", éditions de l’Amateur, Paris, 1989, bergères proches de notre salon reproduites p. 459.



Les Fables de La Fontaine (1621-1695), puisant leur source chez Esope, inspirent au XVIIIe siècle un vaste programme décoratif. Jean-Baptiste Oudry (1686-1755), peintre animalier de Louis XV et directeur artistique des manufactures de Beauvais puis des Gobelins, en dessine les compositions entre 1729 et 1734. Une suite de ces dessins est convertie en cartons de tapisseries pour Beauvais, tissée seulement seize fois entre 1736 et 1777. Après la mort d'Oudry, ils sont gravés en quatre volumes sous la direction de Cochin, assurant leur diffusion.


Les ateliers marchois d'Aubusson s'emparent à leur tour du thème : Oudry fournit des modèles à la manufacture dès 1731, et les Fables de La Fontaine figurent parmi les sujets les plus tissés aux côtés des verdures fines et des scènes de chasse. Manufacture royale depuis 1665, Aubusson se distingue de celles de Beauvais et des Gobelins par une production plus accessible et plus variée, déclinant les mêmes compositions en de multiples formats et coloris selon les commandes. Les lissiers aubussonnais reprennent librement les scènes d'Oudry, en adaptant bordures, fonds et palettes au goût de leurs commanditaires, produisant ainsi des garnitures de sièges dont aucune n'est tout à fait semblable à une autre. C'est à cette tradition vivante et diversifiée qu'appartiennent les assises de ce salon.


Les dossiers, quant à eux, reprennent les Enfants jardiniers de François Boucher (1703-1770), série de cartons peints vers 1751 pour la marquise de Pompadour, destinés à la manufacture des Gobelins pour garnir les sièges de son château de Crécy. Ces huit panneaux, montés par paires dans des toiles verticales par Alexis Peyrotte, passèrent de Crécy à Sceaux puis dans la famille de Trévise. Réapparus lors de la 30e vente Garden Party le 10 juin 2018, ils furent préemptés par le musée du domaine départemental de Sceaux. Les ateliers d'Aubusson, comme ceux des Gobelins, avaient eux aussi tissé ces pastorales d'enfants, diffusant le thème bien au-delà du cercle royal.


Un fauteuil Louis XV de 1765 associant les mêmes sources, fables d'Oudry en assise, enfants de Boucher en dossier, est conservé au musée des Arts Décoratifs de Bordeaux (inv. 11319).

Pendule Sappho

Marbre de Sienne et bronze patiné.
Le cadran inscrit dans une borne avec les heures chiffres romains est cerclé des signes du Zodiaque. Il est accolé par la figure de Sappho lisant. La base rectangulaire est soulignée d'une frise de feuilles d'eau. Elle repose sur quatre pieds griffes ailées.
Suspension à fil.

Epoque Restauration.

Haut. 68 Larg. 52 Prof. 22 cm.
Petits accidents, le nom de l'horloger effacé.

Provenance : collection particulière, vallée du Loir.

Sappho Siena marble and patinated bronze clock, Bourbon Restoration period.

Antoine Louis Barye (Français, 1796-1875)
Eléphant du Sénégal, le modèle créé vers 1874

Bronze à patine brune et verte.
Signé sur la terrasse, avec cachet or "FB" (1876-1890) et marque au revers "Barbedienne Fondeur". Marqué au revers "9".

Haut. 13,5 Long. 19,3 Prof. 7 cm.
Petites usures à la patine.

Provenance : collection particulière, Vendômois.

Barye. Elephant of Senegal, model created circa 1874. Bronze cast by Barbedienne between 1876 and 1889.

Bibliographie : Michel Poletti, Alain Richarme, "Barye catalogue raisonné", Paris, Gallimard, 2000, p. 251, n°A119.

Ce petit éléphant illustre l'évolution stylistique de Barye, au tournant des années 1870. Le sculpteur délaisse les compositions statiques pour se tourner vers une représentation plus dynamique, où l'animal semble flotter. Et pour cause, le pachyderme ne repose que sur sa patte arrière gauche. Ce modèle conçu comme un pendant de l'éléphant de Cochinchine réapparait lors de la vente Barye de 1876 où trois exemplaires sont retrouvés. Notre exemplaire fondu par Ferdinand Barbedienne entre 1876 et 1889, d'après son cachet et son revers est donc un témoin du succès posthume du modèle. En effet, près de 10 rééditions de l'éléphant du Sénégal seront fondues jusqu'au premier tiers du XXeme siècle. Devenu une référence pour la nouvelle génération, il sera réinterprété par des sculpteurs animaliers tels que le vendômois Roger Godchaux avec son "éléphant courant", cinquante ans plus tard.

Ecole anglaise du XIXème siècle
d'après Edward Hodges Baily (Anglais, 1788-1867)
Eve à la fontaine

Marbre blanc.
Le modèle créé vers 1818. Le praticien de cet exemplaire n'est pas connu.

Haut. 35 Long. 49 Prof. 25 cm.
Salissures.

Provenance : collection particulière, Sologne.

Eve at the Fountain, marble, after Hodges Baily. 19th century.

Œuvres en rapport :
- Edward Hodges Baily, Eve à la fontaine, c. 1818, plâtre, H. 87 cm, Londres, Victoria & Albert museum, inv. A.3-2000 ;
- Thomas Mogford, Edward Hodges Baily (1788-1867), c. 1843, huile sur toile, H. 143,5 x L. 112,6 cm, Londres, Royal Academy of Arts, inv. 06/4203.

Présentée en 1820 dans une version en plâtre, puis en marbre en 1821, la figure d’Eve à la fontaine d’Edward Hodges Baily rencontre un vif succès et vaut à l’artiste d’être élu membre de la Royal Academy à Londres. Il entre dans l’atelier de John Flaxman en 1807 comme assistant, puis est admis aux Royal Academy Schools en 1809. Fort de sa formation académique, Baily devient l’un des principaux représentants du néoclassicisme anglais. Le marbre offert à la Royal Academy comme "morceau de réception" (aujourd’hui conservé à la Bristol City Art Gallery) assure au sculpteur une renommée européenne lors de sa présentation aux Expositions universelles de 1853 et 1862. Une seconde version en marbre est conservée à la Carlsberg Glyptotek de Copenhague.

Commode tombeau

Placage de palissandre, amarante et filets de bois de rose sur fond de chêne.
La façade bombée ouvre par quatre tiroirs sur trois rangs à décor de cartouches simulés par des filets entourant un frisage en X. Les côtés mouvementés à cartouches sur trois registres et le tablier décoré d'un cul de lampe.

Epoque Régence.

Estampilles apocryphes "MB"
Riche ornementation en bronze doré et dessus de marbre gris Sainte-Anne rapportés.

Haut. 83 Larg. 129 Prof. 66 cm.
Accidents et restaurations, trous d'insectes.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Perche.

Louis XV rosewood veneer chest of drawers, with gilt bronze decoration and marble top added later.

Fauteuil à la Reine

Hêtre naturel mouluré et sculpté.
Le dossier violonné de forme cabriolet est surmonté de fleurs. Les accotoirs à manchettes mouvementés tombent en retrait. La ceinture chantournée est décoré de frises végétales. Il repose sur quatre pieds cambrés.

Epoque Louis XV.
Garniture postérieure brodée à décor de roses et de pivoines sur fond crème.

Haut. 94,5 Larg. 65 Prof. 64 cm.
Restaurations aux pieds postérieurs.

Joint : Fauteuil à la Reine en hêtre mouluré et sculpté. Le dossier et la ceinture chantournés, sculptés de motifs végétaux, les accotoirs à manchettes mouvementés tombant en retrait de la ceinture. Il repose sur quatre pieds cambrés. Marque au feu "GA dans un ruban". Travail de grande qualité de style Louis XV Haut. 102 Larg. 72 Prof. 79,5 cm.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Orléans.

Louis XV beechwood cabriolet armchair and a straight-backed (à la Reine) style armchair.

Vincennes, Manufacture de Hyacinthe Seguin, vers 1785
Partie de service

Porcelaine dure.
Comprenant 20 assiettes, 6 assiettes à potage, deux seaux à rafraichir (accidentés), 4 compotiers coquille, 2 sucriers ovales couverts sur plateau attenant (accidenté), un plat rond.
Décor polychrome monogrammé D aux roses dans un entourage de semis de bouquets de fleurs.

Marqué : lambel plein en bleu.

Assiettes : Diam. 22,5 cm.
Assiettes à potage : Haut. 4,5 Diam.21 cm.
Seaux à rafraichir : Haut. 14,5 Diam. 19 cm.
Compotiers : Haut. 6 Larg. 22,5 Prof. 22,5 cm.
Sucriers : Haut. 12 Long. 23 Larg. 14,5 cm.
Plat : Diam. 28 cm.
Accidents et usures de l'or.

Provenance : collection d'un château du Vendômois.

Vincennes hard-paste porcelain tableware set, monogrammed with a D and featuring roses, circa 1785.

Bibliographie : Cyrille Froissart, "La porcelaine d’Orléans et l’attribution des marques au lambel", in Sèvres, Revue des Amis du Musée national de céramique, 1999, p. 7-19.

La manufacture de Hyacinthe Seguin, fondée en 1776, reçoit la protection du duc de Chartres, Louis-Philippe-Joseph, futur duc d’Orléans, dit Philippe-Egalité (1747-1793). La manufacture Séguin réalise un service pour son père le duc d’Orléans, "au chiffre de Monseigneur", mentionné dans l’inventaire après décès du duc d’Orléans en 1782. Une lettre de Séguin adressée le 8 avril 1779 au comte d’Angiviller précise qu’il est chargé, en ce moment, de la réalisation de « trois services complets, l’un pour Mgr le duc de Chartres, l’autre pour M. le comte de Maillebois et le troisième pour Mme la baronne de Neukischen ». Enfin, un grand service décoré du monogramme RS pour Rouen-Sollé est conservé au château de la Motte Tilly.

Miroir à parcloses à la corbeille fleuris

Bois mouluré, sculpté et doré.
De forme violonnée, il présente en partie supérieure une corbeille fleurie dans un encadrement trilobé se prolongeant par des enroulements et pampres de vigne.
Miroir au mercure.

Epoque Louis XV.

Haut. 115 Larg. 58 cm.
(petits accidents et restaurations)

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Perche.

Louis XV parclose (or cushion) mirror, with flower basket carving.

Console d'applique à la corbeille de fleurs

Bois sculpté et doré.
A décor ajouré de fleurs, cartouches, rinceaux et végétaux, elle repose sur deux pieds cambrés réunis par une entretoise à décor d'une corbeille de fleurs
Dessus de marbre gris veiné souligné d'un bec de corbin.

Epoque Louis XV.

Haut. 84 Larg. 111 Prof. 64 cm.
Petits accidents.

Provenance : collection particulière, Vendômois.

Louis XV carved giltwood wall sconce.

Manufacture Nast à Paris, début du XIXe siècle.
Paire de vases cornet aux silhouettes de vestales

Porcelaine en deux parties à décor en noir et or.
Décors de figures féminines drapées à l'antiques avec des frises feuillagées.
Marqué : Nast à la vignette en rouge au revers.

Epoque Empire.

Haut. 22,5 Diam. 22 cm.
Restaurations.

Provenance :
- vente Christie's, collection Hottinger, 3 décembre 2003, lot 403 ;
- collection particulière, Belgique.

Pair of porcelain trumpet vases with silhouette decoration, by Nast, early 19th century.

Pendule au char d'Athéna

Bronze doré.
Le cadran squelette émaillé avec les heures en chiffres romains et les minutes par un chemin de fer. Signé "Signol ainé à Paris", ce cadran s'inscrit dans la roue du bige dirigé par Athéna. Le socle est orné d'un bas-relief au triomphe de la déesse. Elle repose sur quatre pieds patins.
Suspension à fil.

Epoque Restauration.
Signol Ainé est installé comme horloger boulevard Poissonnière à Paris à partir de 1820.

Haut. 51,5 Larg. 49,5 Prof. 16,5 cm.
Le fil de suspension accidenté.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Orléans.

Chariot of Athena gilt bronze clock by Signol Ainé, Bourbon Restoration period.

Oeuvre en rapport : une pendule de même modèle est conservée dans les collections du Musée Pouchkine à Moscou.

Bibliographie : Pierre Kjellberg, Encyclopédie de la pendule française du Moyen-Age au XXe siècle, Paris, Les éditions de l'Amateur, 1997, des oeuvres en rapport pp. 415-421.

Sous la Restauration, un grand nombre de créations du Premier Empire est réemployé pour répondre à la demande et au manque de productions nouvelles. Ainsi, lors du Sacre de Charles X, le mobilier impérial est transféré à Reims pour meubler les appartements royaux. De même, cette pendule reprend les codes de la période précédente, telle Athéna et ses chevaux qui est proche du modèle de Jean-André Reiche pour la pendule au "char de Télémaque" destinée aux Maréchaux d'Empire. La frise rappelle quant à elle celle de Thomire pour Le triomphe de Trajan. Cette pendule est donc le témoignage des derniers feux du Néoclassicisme dans la décennie 1820-1830.

Sèvres, vers 1770.
Bacchus porté par les Bacchantes

Groupe en biscuit de porcelaine tendre.
Modèle de Bachelier d'après François Boucher réalisé entre 1768 et 1772.

Haut. 28 cm.
Fêles de cuisson et accident.

Provenance : collection particulière, Vendômois.

Sèvres biscuit porcelain circa 1770 depicting Bacchus carried by the Bacchantes.

Bibliographie : Tamara Préaud et Guilhem Scherf, La Manufacture des Lumières, la sculpture à Sèvres de Louis XV à la Révolution, Dijon, Faton, 2015, modèle reproduit p. 306.

Guillaume Cordié (Français, c. 1725-1785)
Commode à ressaut central

Placage de bois de rose, amarante et bois teinté.
Elle ouvre par cinq tiroirs sans traverse sur trois rangs. Le tiroir supérieur est décoré d'une marqueterie dite "à la Reine". Les deux tiroirs inférieurs sont ornés d'un frisage en ailes de papillon cerclé d'une frise en damier et filets à la grecque. Les côtés reprennent le même décor et les montants sont à cannelure simulées. Pieds antérieurs cambrés.
Dessus de marbre gris Saint Anne.

Estampillée deux fois "G.CORDIE". Guillaume Cordié, reçu maître en 1766.
Estampille de la Jurande des menuisiers ébénistes.

Epoque Transition Louis XV-Louis XVI.
Ornementation en bronze rapportée : entrées de serrure, chutes et anneaux de tirage.

Haut. 87,5 Larg. 126 Prof. 62 cm.
Restaurations, petits sauts de placage.

Provenance : collection particulière, Tours.

Rosewood and amaranth veneer chest of drawers with offset central panel by Guillaume Cordié, Louis XV-Louis XVI Transition period.

Bibliographie : Pierre Kjellberg, Le mobilier français du XVIIIe siècle, Paris, Editions de l'Amateur, 1989, une commode à trois tiroirs au même décor en ailes de papillon reproduite p. 186.

Six chaises

Hêtre mouluré, sculpté et laqué polychrome.
Le dossier en médaillon surmonté de rubans noués, les pieds fuselés, cannelés et rudentés.

Epoque Louis XVI.
Riches garnitures aux petits points de scènes galantes, couples d'oiseaux, rinceaux, encadrements mouvementés.

Haut. 91 Larg. 47 Prof. 51 cm.
(accidents et restaurations)

Provenance : collection particulière, Vendôme.

Six Louis XVI lacquered beechwood chairs.

Bruxelles, XVIIe siècle
d’après les cartons de Lucas de Leyde (Leyde, 1494-1533)
Le Printemps

Tapisserie dans la suite de la tenture des Saisons Lucas créée en 1535.
Un couple aristocratique visite un potager où il est accueilli par un jardinier tandis que d’autres bêchent, plantent et taillent, sur fond de château flamand avec fontaine et ruines romaines.
Avec sa bordure de guirlande de fleurs.

Haut. 265 Long. 378 cm.
Rétrécie, usures et manques.

Provenance : collection particulière, Paris.

Tapestry depicting Spring, woven in Brussels in the 17th century, as a continuation of the Seasons of Lucas series of tapestries.

Bibliographie : Edith Appleton Standen, European Post Medieval Tapestries, n° 49 The seasons of Lucas, pp. 322 à 330.

Cette tapisserie est stylistiquement proche de la série du Metropolitan Museum (n°44.60.8) dont il manque précisément Le Printemps.

Louis-Auguste Marquis (Français, 1811-1885)
Pendule de l'Astronomie, c.1851

Bronze doré, finement ciselé.
De forme borne, ornée des représentations assises de Ptolémée, Galilée, Copernic et Newton avec une allégorie féminine et une figure de Cronos.
Le cadran émaillé signé "Marquis" avec les heures en chiffres romains et les points "Avance Retard" à midi. Le mouvement à réserve de deux semaines porte les tampons des horlogers : "Marquis Pons" et "Pons médaille d'or1827".

Bronzier : Louis-Auguste Marquis (1811-1885), associé de 1838 à 1844 à Gilbert-Honoré Chaumont (1790-1868), installé 25 rue Chapon à Paris, puis, sous le Second Empire, 66 boulevard de Strasbourg.
Horloger fabriquant : Pierre Honoré César Pons (1773-1851), qui relance l'activité horlogère à Saint-Nicolas d’Aliermont, est actif à Paris jusqu'en 1846, date à laquelle il vend son entreprise à Delepine.

Haut. 58 Larg. 39 Prof. 21 cm.
Excellent état général ; petit accident au cadran, manque la clé et le balancier.

Provenance : collection particulière, Touraine.

Gilt bronze Astronomy clock by Marquis, circa 1851.

Associé à Gilbert-Honoré Chaumont (1790-1868) comme « Fabricant du Mobilier de la Couronne », livrant les maisons Giroux et Beurdeley mais aussi la famille royale, comme le feu du salon des Princes en 1838 au Grand Trianon, Louis-Auguste Marquis (1811-1885) travaille seul à partir de 1844. On retrouve dans son travail des références aux grands bronziers du siècle précédent, comme la dynastie Osmond, Thomire ou encore Pierre Gouthière. Il rend ici hommage aux pères de l'Astronomie, qu'ils soient Grecs avec Ptolémée, Italien avec Galilée, Polonais comme Copernic ou Anglais à la suite de Newton. C'est dans ces années 1840 que triomphe la mécanique céleste newtonienne, lorsque Le Verrier détermine par calcul la position de Neptune. En 1851, Foucault et Arago invitent les Parisiens à venir voir tourner la terre en suspendant leur célèbre pendule à la voute du Panthéon, rendant un ultime hommage à Galilée : « Et pourtant elle tourne ! ».

Seau à Champagne

Argent doré repoussé.
Les profils de Louis XVI et Marie-Antoinette, dans deux médaillons réunis par une guirlande. Anses à protomé de lion.

Poinçons apocryphes imitant ceux de Paris utilisés sous la régie de Julien Alaterre (1768-1774).

Haut. 22,4 Larg. 19 cm.
Poids : 1.245 g.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Orléans.

Silver-gilt champagne bucket with profile of Louis XVI and Marie-Antoinette, featuring apocryphal hallmarks of the Ancien Régime (political system in France up to the late 18th century).

Si la légende rapporte que la forme de la coupe à champagne aurait été moulé sur le sein de la reine Marie-Antoinette, ce seau à Champagne est une création du XIXe siècle. Il illustre le style "Marie-Antoinette -Impératrice", qui est encouragé par la passion d'Eugénie pour la figure de la Reine et la réhabilitation de sa personnalité auprès du public concomittamment aux développements des grandes maisons de Champagne.

Pendule au troubadour

Bronze doré.
Le cadran avec les heures en chiffres romains est inscrit dans une borne surmontée d'un lutrin et entourée d'un musicien et un tabouret à la lyre. La base rectangulaire soulignée de feuilles d'acanthe est ornée d'un bas-relief figurant un couple sur fond de balustrade et un cheval. Elle repose sur quatre pieds en enroulements.

Epoque Restauration.

Haut. 45 Larg. 32 Prof. 12 cm.
Fil cassé, manque le balancier et le timbre.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Orléans.

Gilt bronze troubadour clock, Bourbon Restoration period.

Emile Gallé (Français, 1846-1904)
Vase aux clématites

Verre multicouche à décor dégagé à l'acide.
Camaïeu de bleu, base bombée, col pincé et évasé.
Signé.

Haut. 61 cm.

Provenance : collection Raymond Touze (1889-1971), architecte limougeaud ; par descendance, Rochecorbon.

Large multilayered glass vase with clematis flowers by Emile Gallé.

Sèvres, vers 1790-1793
Deux tasses à anses et soucoupes

Porcelaine.
Décor à l'or de cornes d’abondances, vases, brûle-parfum et arabesques feuillagées dans des bandeaux à fond noir se détachant sur un fond jaune, frise de perles et palmes en violet sur les bords.

Marques au revers à l'or : LL entrelacés.

Tasse : Haut. 9,5 Diam. 9 cm.
Soucoupe : 17,5 cm.
(un éclat à une tasse et une soucoupe)

Provenance : collection d'un château du Limousin.

Two cups with handles and saucer in Sèvres gilded porcelain, circa 1790-1793.

Commode

Placage d'acajou et d'amarante sur fond de chêne.
Elle ouvre par cinq tiroirs sur trois rangs. Le décor en ailes de papillons est souligné de rangs de perles. Les montants et les pieds fuselés en colonne à cannelures simulées.
Ornementation en bronze doré.

Epoque Louis XVI.
Plateau de marbre gris Saint Anne rapporté.

Haut. 83,5 Long. 129 Prof. 57 cm.
Petits accidents et restaurations.

Provenance : succession d'un ancien antiquaire, Perche.

Louis XVI mahogany and amaranth veneer chest of drawers with butterfly wing decoration.

François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter (Français, 1770-1841)
Fauteuil à têtes de sphinges

Acajou et placage d'acajou.
Le dossier droit se prolonge par des accotoirs à manchettes supportés par des têtes de sphinge. Les pieds antérieurs griffes et postérieurs sabres.
Riche ornementation en bronze doré.

Estampillée "Jacob D. Rue Meslée" (1803-1813).

Epoque Consulat-Empire.
Garniture de tissus rouge cerise.

Haut. 95 Larg. 62 Prof. 52 cm.

Provenance : collection particulière, Belgique.

Mahogany armchair with sphinx heads by Jacob-Desmalter modelled on a seat for Joseph Bonaparte, King of Naples then King of Spain.

Un fauteuil du même modèle identifié dans la vente à Senlis en 1921 du château de Mortefontaine, résidence entre 1798 et 1814 de Joseph Bonaparte, roi de Naples puis d'Espagne.

Lustre à 19 lumières

Tôle patinée.
A deux niveaux, riche décor de fleurs et d'enroulements végétalisés, il est sommé d'une sphère et terminé par un bulbe retenant une lumière centrale avec une tulipe de verre en forme de rose.

Italie, XIXe siècle.

Haut. 200 Larg. 110 cm.
Accidents, manques et restaurations, monté à l'électricité.

Provenance : ancienne collection particulière, Gênes.

19th-century Italian metal chandelier with 19 lights.

Grand lustre à 11 lumières

Verre soufflé et moulé, et tôle.
Il est coiffé de deux couronnes de feuilles d'acanthe prolongées par des pampilles afin de former cage entourant un fût balustre. 10 bras de lumières autour d'une lumière centrale se termine par des ananas.

Murano, première moitié du XXe siècle.

Haut. 175 Diam. 85 cm.
Accidents, manques et restaurations, monté à l'électricité.

Provenance : collection particulière, Gênes.

Large glass and metal Venetian chandelier with 11 lights culminating in a globe.

Lustre à 12 lumières

Bois et tôle.
12 bras de lumières sur deux rangs inscrits sur un fût à double balustre décoré de palmes et godrons et terminé par une sphère. Chaque bras est orné de feuilles d'acanthe.

Travail italien de style néoclassique.

Haut. 113 Diam. 139 cm.
Haut. totale 195 cm.
Petits manques et accidents, certaines pampilles rapportées, monté à l'électricité.

Provenance : collection particulière, Gênes.

Wood and metal neoclassical Italian chandelier with 12 lights.

Aubusson, fin du XIXème siècle
Tapis

Point ras.
Le fond crème à décor polychrome d’une gerbe de fleurs dans une couronne de fleurs, sur contre fond damassé vert amande, à l’intérieur d’un ruban rose, large bordure crème de guirlandes de fleurs et écoinçons de gerbes de fleurs entre des rinceaux, galon rouge.

Long. 610 Larg. 540 cm.
Usures, rentrayages et insolations.

Provenance : collection particulière, château des environs de Tours.

Aubusson low-pile rug, late 19th century.

Ouchak, fin XIXème début XXème siècle
Tapis à fond crème

Laine.
Décor rose et bleu de deux médaillons floraux de part et d’autre d’une double tige fleurie, bordé d’un galon ondulant rose crevette, petits écoinçons jaunes, bordure crème de montants ondulants chargés de fleurs.

Long. 537 Larg. 450 cm.
Usures aux poils du velours, taches, insolé.

Provenance :
- hôtel particulier de la rue Blanche, Paris ;
- par descendance, collection particulière, Orléans.

Oushak. Wool rug with floral medallion decoration on a cream ground. Late 19th-early 20th century.

Tabriz ou Ferahan (?)
Grand tapis à fond noir

Laine.
Dense décor herati de fleurs, multiples bordures.

Long. 510 Larg. 376 cm.
Usures, coupure.

Provenance : collection particulière, Paris.

Large Persian wool rug with Herati floral pattern.

Perse, Melayer
Tapis galerie

Laine.
Fond noir à décor herati chargé de deux médaillons rhomboïdaux crème, entre deux arcatures, bordure crème de rinceaux rouges entre des galons, porte une signature tissée.

Long. 474 Larg. 113 cm.

Provenance : collection particulière, Paris.

Persian wool runner with medallion pattern.